Содержание:
- Введение
- Особенности музыки барокко для вокальной музыки
- Классицизм
- Романтика
- Заключение
- Список литературы
| Тип работы: | Реферат |
| Дата добавления: | 21.01.2020 |
- Данный тип работы не является научным трудом, не является готовой выпускной квалификационной работой!
- Данный тип работы представляет собой готовый результат обработки, структурирования и форматирования собранной информации, предназначенной для использования в качестве источника материала для самостоятельной подготовки учебной работы.
Если вам тяжело разобраться в данной теме напишите мне в whatsapp разберём вашу тему, согласуем сроки и я вам помогу!
Если вы хотите научиться сами правильно выполнять и писать рефераты по любым предметам, то на странице “что такое реферат и как его сделать” я подробно написала.
Введение
Особенности исполнения вокальной музыки в разные эпохи подвергались разному влиянию. Композиторы представили новые техники и частично унаследовали стиль своих предшественников. Развитие вокальной музыки затронуло разные направления. Музыкальное оформление, полифония, манера извлечения звука, выражение глубины внутреннего мира вокалиста, введение речитатива.
Музыка барокко появилась в конце Возрождения и предшествовала музыке классицизма. Слово «барокко» предположительно происходит от португальского «perola barroca» – жемчужина или ракушка причудливой формы; Действительно, изобразительное искусство и архитектура этого периода характеризовались очень причудливыми формами, сложностью, пышностью и динамичностью. Позже это же слово стало применяться к музыке того времени. Письменная и исполнительская техника эпохи барокко стала неотъемлемой и немалой частью классического музыкального канона. В эпоху барокко родились такие произведения, как фуги Иоганна Себастьяна Баха, хор «Аллилуйя» из оратории «Мессия» Георга Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди, Вечерня Клаудио Монтеверди. Музыкальный орнамент стал очень изощренным, сильно изменилась нотная грамота, развились приемы игры на инструментах. Расширился жанровый охват, выросла сложность исполнения музыкальных произведений, появился такой вид сочинения, как опера. Большое количество музыкальных терминов и концепций эпохи барокко все еще используется сегодня.
Музыка барокко заимствовала у эпохи Возрождения практику использования полифонии и контрапункта. Однако эти приемы применялись по-разному. В эпоху Возрождения гармония строилась на том, что в мягком и спокойном движении полифонии созвучия были второстепенными и как бы случайно появлялись. В музыке барокко важен порядок появления созвучий: он проявлялся с помощью аккордов, расположенных по иерархической схеме функциональной тональности.
Особенности музыки барокко для вокальной музыки
Монодия – стиль сольного пения с омофоническим аккомпанементом (инструментальным сопровождением), получивший развитие в Италии в 16 веке. и породил ряд новых форм и жанров (ария, речитатив, опера, кантата и др.);
Гомофония – вид полифонии, характеризующийся разделением голосов на основной и сопровождающий. Вот чем «омофония» отличается от полифонии;
Бельканто характеризуется плавным переходом от звука к звуку, легкостью звукоизвлечения, красивой и богатой окраской звука, ровностью голоса во всех регистрах, легкостью звуковедения, которая сохраняется в технически подвижных и сложных местах мелодического рисунка. В бельканто голос – это инструмент певца.
Гокет – когда мелодическая линия разбивается на отдельные звуки или группы звуков, которые распределяются между разными голосами или инструментами, что делает исполнение прерывистым, как будто заикается.
Сценические формы музыкальных произведений (опера, музыкальная драма).
Комбинированные вокальные и инструментальные формы, такие как оратория и кантата.
Ария – полный эпизод оперы, оратории или кантаты, исполняемый одним певцом в сопровождении оркестра. Отличается широким пением, иногда сложным, виртуозным характером. Часто арии предшествует речитатив.
Классицизм
Самыми яркими композиторами классицизма были великие австрийцы – Йозеф Гайдн и Вольфганг Амадей Моцарт. Гайдн создал фантастическую хоровую, оперную, оркестровую и инструментальную музыку, но самым большим его достижением были симфонии, которых он написал более сотни.
Моцарт, прожив недолгую жизнь, оставил невероятное музыкальное наследие (например, 41 симфонию). Его величайшим достижением считаются оперы, в которых он проявил себя и как великий музыкант, и как талантливый драматург. Среди его лучших опер – «Дон Хуан», «Женитьба Фигаро», «Волшебная флейта».
В конце восемнадцатого века восходит еще одна звезда классической музыки – Людвиг ван Бетховен, композитор, который начал сочинять музыку в классическом стиле, унаследованном от Моцарта и Гайдна, но в конце концов перерос его и буквально расколол классический стиль, положив начало рассвету. новая эра, известная как романтический период в музыке.
Классическая эпоха была временем, когда композиторы привносили в музыку элегантность. Это ясная и чистая музыка, которая приносит умиротворение и расслабление, но в то же время в ней можно найти драматизм, трогательные чувства и безграничную энергию.
Великие произведения классической эпохи:
- Моцарт «Реквием», «Дон Жуан», «Волшебная флейта», Концерт для фортепиано с оркестром № 21, Концерт для кларнета.
- Гайдн «Сотворение мира», Симфония № 101 «Часы», Струнный квартет op.76 № 3 «Император»
- Глюк “Орфей и Эвридика”
- Симфония Бетховена № 3 «Героическая»
Романтика
В музыке направление романтизма оформилось в 1820-е годы, его развитие заняло весь 19 век. Композиторы-романтики пытались музыкальными средствами передать глубину и богатство внутреннего мира человека. Музыка становится более яркой, индивидуальной. Развиваются песенные жанры, в том числе баллада.
Наиболее яркими представителями романтизма в музыке являются: Франц Шуберт, Людвиг ван Бетховен (частично), Иоганнес Брамс, Фредерик Шопен, Феликс Мендельсон, Роберт Шуман, Луи Шпор, А.А. Алябьев, М.И. Глинка, Даргомыжский, Балакирев, Н.А. Римский-Корсаков., Мусоргский, Бородин, Цуй, П.И. Чайковский.
Глубокий интерес к человеческой личности, присущий романтической музыке, выражался в преобладании в ней личного тона. Раскрытие личной драмы нередко приобретало у романтиков оттенок автобиографии, что вносило в музыку особую искренность. Автобиографический характер его опер всячески подчеркивал Вагнер.
Внимание к чувствам приводит к смене жанров – доминирующее положение занимает лирика, в которой преобладают образы любви.
Сюжет научной фантастики стал настоящим открытием композиторов-романтиков. Впервые музыка научилась воплощать фантастически-фантастические образы чисто музыкальными средствами. В операх XVII – XVIII веков «неземные» персонажи (как, например, Царица ночи из «Волшебной флейты») говорили на «общепринятом» музыкальном языке, почти не выделяясь на фоне реальных людей. Композиторы-романтики научились передавать фантастический мир как нечто совершенно конкретное (с использованием необычных оркестровых и гармоничных цветов).
Интерес к народному творчеству очень характерен для музыкального романтизма. Подобно поэтам-романтикам, которые за счет фольклора обогатили и обновили литературный язык, музыканты широко обращались к национальному фольклору – народным песням, балладам, эпосам (Ф. Шуберт, Р. Шуман, Ф. Шопен, И. Брамс, Б. Сметана, Э. Григ и др.). Воплощая образы национальной литературы, истории, родной природы, они опирались на интонации и ритмы национального фольклора, возродили старые диатонические лады. Под влиянием фольклора содержание европейской музыки резко изменилось.
Новые темы и образы потребовали от романтиков освоения новых средств музыкального языка и принципов формообразования, индивидуализации мелодии и введения интонаций речи, расширения тембра и гармонической палитры музыки (естественные лады, красочные сопоставления мажора и минора, так далее.).
Поскольку в центре внимания романтиков уже не человечество в целом, а конкретный человек с его неповторимым чувством, соответственно, в средствах выражения общее все больше уступает место индивидуальному, индивидуально своеобразному. Уменьшается доля обобщенных интонаций в мелодии, общих гармонических последовательностей аккордов, характерных закономерностей в фактуре – все это средства индивидуализированы. В оркестровке принцип ансамблевых групп уступил место солированию почти всех оркестровых голосов.
Важнейшим аспектом эстетики музыкального романтизма была идея синтеза искусств, которая нашла наиболее яркое выражение в оперном творчестве Вагнера и в программной музыке Берлиоза, Шумана, Листа.
Джузеппе Фортунино Франческо Верди (итал.: Джузеппе Фортунино Франческо Верди, 10 октября 1813 г., Ронколе близ города Буссето, Французская империя – 27 января 1901 г., Милан, Италия) – итальянский композитор, творчество которого является одним из величайших достижения мировой оперы и кульминация развития итальянской оперы в 19 веке.
Композитор сочинил 28 опер и один реквием. Лучшие оперы композитора: «Бал-маскарад», «Риголетто», «Трубадур», «Травиата». Вершина творчества – новейшие оперы: «Аида», «Отелло», «Фальстаф».
Верди, убежденный сторонник повышения пластичности и четкости исполнения, также очень быстро повысил важность декламации редкой гибкости – весь комплекс требует от исполнителя длительной подготовки. Вступления почти ко всем операм композитора отличаются огромной, великолепной силой. Мастер ансамблевого письма – можно сказать, современного по лаконичному темпу и ясному, хотя и пылкому воплощению, чуждому произволу и гедонистическим эксцессам, он считал сценическое действие целью, избегая, однако, средства из него. Так как он знал, что главное в музыкальной драме – музыка.
Помимо оперного жанра, композитор небрежно коснулся камерной инструментальной формы (единственный квартет) и не слишком увлекся сочинением песен в сопровождении фортепиано. В области духовной музыки он, напротив, оставил исторические образцы, среди которых выделяется Реквием, частично написанный в память о Джоаккино Россини, а затем посвященный памяти Алессандро Мандзони: синтез всего 19 века, он словно сочетает в себе торжественное великолепие величественных соборов с нежностью провинциальных масс и выделяется своей драматичностью, театральностью. Это Мавзолей, новый пантеон, созданный как бы для персонажей Верди, для Виолетты, Риголетто, Леоноры, Макбета и других, ибо высшая истина, если присмотреться, не может быть ничем иным, как прощением. И всех их ждет Царство Небесное.
Веризм (итал. Il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянской литературе, музыке и изобразительном искусстве конца 19 века.
В музыке направление вериста, представленное в основном операми П. Масканьи, Р. Леонкавалло и отчасти Дж. Пуччини, сформировалось в противовес увлечению драматургией Вагнера. Следуя опыту писателей, композиторы-веристы обратились к изображению жизни бессильных бедняков.
Первой оперой-веристом стала «Сельская честь» Пьетро Масканьи (1863-1945), созданная в 1890 году по одноименной пьесе руководителя литературного веризма Дж. Верги. Спустя два года ее триумфальный успех был омрачен картиной Руджеро Ленкавалло «Пальячи» (1857–1919), сюжет которой основан на реальном происшествии из жизни деревенских комиков.
Обе оперы лаконичны: веристы прекрасно понимали, что «длина в театре – скука, а скучный театр – хуже всего» (Верди). Основное внимание авторов сосредоточено на личной драме героев, и эта драма изображена не пастельными полутонами, а яркими кричащими красками: без подтекста, только простой текст; нет философии, только факты. Обе оперы заканчиваются трагически – смертью главных героев. И тот, и другой относятся к жанру мелодрамы – так определяли свои произведения и Масканьи, и Леонкавалло.
В операх «Сельская честь» и «Пальяччи» особенно четко обозначились характерные черты направления веризма:
- Отход от героико-романтических традиций, обращение к современным сюжетам, обычно связанным с темами любви и ревности;
- Подчеркнуто повседневная, прозаическая постановка сцены;
- Использование прозаического текста вместо поэтического;
- Быстрая смена событий, предваряющая «кадровый» монтаж кинотеатра;
- Зрелищность театральных ситуаций. Развитое чувство сцены – одна из сильных сторон творчества веристов. Они умели «заинтересовать, поразить и потрогать» слушателя (качества, которые Пуччини назвал тремя основными законами театра);
- Акцент на психологические переживания персонажей, картины повседневной жизни;
- некоторая аффектация человеческих эмоций, напряжение кульминационных моментов;
- Демократичный характер музыкального языка, имеющего прямое отношение к народным жанрам;
- Высоко выразительный вокальный стиль, получивший высшее выражение в «крикариях» (ариозо Канио «Смейся, клоун» 4);
- Обогащение речитативно-декламационной сферы;
- Использование симфонической разработки.
Римхард Вамгнер (полное имя Вильгельм Рихард Вагнер, немец Вильгельм Рихард Вагнер; 22 мая 1813 года, Лейпциг – 13 февраля 1883 года, Венеция) – великий немецкий композитор и теоретик искусства. Крупнейший реформатор оперы, Вагнер оказал значительное влияние на европейскую музыкальную культуру, особенно на немецкую.
В гораздо большей степени, чем все европейские композиторы XIX века, Вагнер рассматривал свое искусство как синтез и как способ выражения определенной философской концепции. По Вагнеру, музыкальная драма – это произведение, в котором реализована романтическая идея синтеза искусств (музыки и драмы), выражение программности в опере. Для реализации этой идеи Вагнер отказался от существовавших в то время традиций оперных форм, прежде всего итальянских и французских. Первых он критиковал за эксцессы, вторую – за пышность. С жесткой критикой он атаковал произведения ведущих представителей классической оперы (Россини, Мейербер, Верди,), назвав их музыку «приукрашенной скукой». В более поздних вагнеровских операх (особенно в «Тристане» и «Изольде») внешнее воздействие сведено к минимуму, перенесено в психологическую сторону, в область чувств персонажей. Вагнер считал, что слово не способно передать всю глубину и смысл внутренних переживаний, поэтому в музыкальной драме ведущую роль играет оркестр, а не вокальная партия. Последний целиком подчинен оркестровке и рассматривается Вагнером как один из инструментов симфонического оркестра. В то же время вокальная партия в музыкальной драме является эквивалентом театрально-драматической речи. Песни, ариозности в ней почти нет. В связи со спецификой вокала в оперной музыке Вагнера (исключительная длина, обязательное требование драматического мастерства, безжалостная эксплуатация ограничивающих регистров голоса) в практике сольного исполнения утвердились новые стереотипы певческих голосов – вагнеровский тенор, вагнеровское сопрано и др.
Вагнер ввел развитую систему лейтмотивов. Каждый такой лейтмотив (короткая музыкальная характеристика) – это обозначение чего-либо: определенного персонажа или живого существа (например, лейтмотив Рейна в Rhine Gold), предметов, которые часто выступают в роли символических персонажей (кольцо, меч и золото в кольце, любовный напиток в «Тристане и Изольде»), сцена (лейтмотивы Грааля в «Лоэнгрине» и «Валгалла» в «Золоте Рейна») и даже абстрактная идея (многочисленные лейтмотивы судьбы и судьбы в цикле «Кольцо Нибелунгов», тоска, любовь взгляд в «Тристане и Изольде»). Вагнеровская система лейтмотивов получила наиболее полное развитие в «Кольце» – накапливаясь от оперы к опере, переплетаясь друг с другом, каждый раз получая новые варианты развития, все лейтмотивы этого цикла в результате объединяются и взаимодействуют в сложной музыкальной фактуре. финальной оперы “Смерть богов”.
Экспрессионизм в музыке – поиски в музыке начала ХХ века, тогда или позже соотнесенные музыкантами или исследователями с экспрессионизмом как общим художественным направлением эпохи. Теодор Адорно заметил, что экспрессионистская музыка фокусируется на самом прямом выражении (нем. Unmittelbarkeit des Ausdrucks) содержания человеческой души; Адорно воспроизводит удачный, по его мнению, термин «психограмма», предложенный Альфредом Эйнштейном. В связи с такой постановкой проблемы, подчеркивает Адорно, музыка экспрессионизма отвергает любые традиционные, застывшие формальные ограничения.
Главный смысл этого стиля – чрезвычайно острое выражение субъективных эмоций одинокого человека. Это одиночество настолько велико, что герой, кажется, лишен всех социальных связей и примет в той степени, что ничего не известно о нем как о женщине в «Ожидании» Шенберга: кто он и откуда. Спектр эмоций тоже очень специфичен: преобладают настроения депрессии, меланхолии, отчаяния, страха, крайнего ужаса. Эмоциональное состояние выходит на первый план, становясь «главным героем» произведения и как бы уходя от его носителя. Музыкальный экспрессионизм разработал последовательную систему художественного выражения – одну из самых радикальных на рубеже 1900-1910-х годов. Он основан на речевой интонации, энергии человеческой речи, то возбужденной до крика, то затухающей до бессильного шепота. Мелодия теряет свойства кантильности, протяженности, насыщается диссонирующими «неголосыми» движениями, резкими скачками. Размеренное чередование сильных и слабых ударов преодолевается всеми возможными способами – синкопами, нерегулярными акцентами, неквадратностью фразовых конструкций. Инструменты используются в нетрадиционных регистрах с разным тембровым наполнением.
Заключение
Народная музыка, музыка народная музыка, или народная музыка (англ. Folk music) – музыкально-поэтическое творчество народа, неотъемлемая часть народного творчества (фольклора), существующее, как правило, в устной (неписьменной) форме, передаваемые из поколения в поколение. Традиционная народная музыка, созданная в основном сельским населением, долгое время сохраняла относительную независимость и в целом противопоставляется профессиональной музыке, принадлежащей более молодым письменным традициям. Поскольку народная музыка известна всем общественно-историческим образованиям (как устной, так и письменной), то ее следует рассматривать не только как составную часть народного искусства, но и, в более широком смысле, как ветвь (корень) музыкального искусства. Одна из основных ветвей, противостоящих популярной и академической музыке.
Духовная музыка – музыкальные произведения, связанные с текстами религиозного характера, предназначенные для исполнения во время церковной службы или в повседневной жизни. Духовная музыка в узком смысле означает церковную музыку христиан, а в широком смысле духовная музыка не ограничивается аккомпанементом поклонения и не ограничивается христианством. Тексты сочинений духовной музыки могут быть как каноническими (например, католическая месса), так и свободными, написанными на основе или под влиянием священных книг (для христиан – Библии).
Индийская классическая музыка – одна из старейших сложных музыкальных традиций в мире. Его происхождение традиционно связывается с Ведами, в первую очередь с Сама-Ведой (второе тысячелетие до нашей эры), которая более подробно описывает музыку, чем другие Веды (объясняет, как исполнять гимны Ригведы) и прочно связывает происхождение музыка с религиозной магической практикой индуизма. Индийская классическая музыка имеет тенденцию быть монофонической, и в ансамблевом исполнении единая мелодическая линия формируется фиксированными звуками бурдона. Мелодические конструкции называются рага, ритмические – тала. Трактат о театре, музыке и танце «Натья Шастра» (первые века новой эры) показывает, что еще до его создания у индейцев была высокоразвитая музыкальная система. Натья Шастра также отражает важную связь между музыкой, танцем и драматургией. Под влиянием мусульманской культуры в средние века важное значение приобрело исполнение авторских стихов, адаптированное к индийской культуре и ставшее важной частью классической музыки.
Джаз (англ. Jazz) – вид музыкального искусства, возникший в конце XIX – начале XX веков в США в результате синтеза африканской и европейской культур и впоследствии получивший широкое распространение. Для музыкального языка джаза характерны изначально импровизация, полиритмия, основанная на синкопированных ритмах, и уникальный набор техник исполнения ритмической фактуры – свинг. Дальнейшее развитие джаза произошло за счет разработки джазовыми музыкантами и композиторами новых ритмических и гармонических моделей.
Первый джазовый оркестр в Советской России был создан в Москве в 1922 году поэтом, переводчиком, танцором и театральным деятелем Валентином Парнахом и назывался «Первый эксцентричный оркестр джаз-бэнда Валентина Парнаха в РСФСР».
Рок-музыка – это обобщенное название для ряда областей популярной музыки. Слово «рок» – (в переводе с английского «рок, рок, свинг») – в данном случае указывает на характерные для этих направлений ритмические ощущения, связанные с определенной формой движения, по аналогии с «ролл», «твист», качать, трясти и т.д.
Список литературы
- Эйхенбаум Б. Мелодия русского лирического стиха // Эйхенбаум Б. О поэзии. – Л., 19689.
- Лаури-Вольпи Дж. Вокальные параллели [пер. с итальянским]. – Л., 1973.
- Ломакин Г. Справочник по обучению пению в общеобразовательных школах. – СПб., Бг.
- Васина-Гроссман В.А. Романтическая песня 19 века (Австрия, Германия). – М., 1955. – 352 с.
- Васина-Гроссман В.А. Русский классический романс XIX века. – М., 1955. – 352 с.
Доклад
на тему: «Классическая музыка»
Подготовила
преподаватель фортепиано
МБОУ ДО
«ДШИ» Шатурная С.И.
СП
Оболенск сентябрь 2020 год
«Человек стал человеком, когда услышал шёпот
листьев, журчание весеннего ручья и звон серебряных колокольчиков, жаворонков в
бездонном синем небе, шорох снежинок, ласковый плеск волны и торжественную
тишину ночи, – услышал и, затаив дыхание, слушает сотни и тысячи лет чудесную
музыку жизни. Умей и ты слушать эту музыку, умей наслаждаться ее красотой» (В.Сухомлинский)
Предлагаемая
беседа направлена на формирование начал музыкально-художественной культуры,
формирование творческой личности ребёнка, через развитие его музыкальных
способностей, по средствам слушания (восприятия) классической музыки.
(Беседа
проходит на фоне тихого звучания пьсы «К Элизе» Л.ван Бетховена, которую
исполняет на фортепиано учащаяся старших классов.)
ДЛЯ РОДИТЕЛЕЙ:
Мир,
окружающий нас, для детей полон загадок, надо помочь детям не только
внимательно смотреть, но и внимательно слушать. В наше сложное время люди
зачастую не умеют, не хотят, не приучены слышать, будь-то собеседник, природа
или музыка. В решении этой острой проблемы невозможно переоценить роль
классической музыки. Поэтому сегодня, как никогда актуальны вопросы
музыкального воспитания детей. Важно развивать уже в дошкольном возрасте
целостное художественно-эстетическое восприятие мира. И здесь нам помогают
музыкальные шедевры классики. Через классическую музыку, можно дать детям
нравственные понятия: доброта, отзывчивость, любовь к Родине, матери,
сопереживание, формировать доброжелательное отношение к животным, воспитывать
чувство прекрасного, уметь видеть красоту природы и оберегать ее.
Влияние музыки на человеческий организм уже давно не является
секретом, в медицине даже есть отдельное направление — музыкотерапия.
Поэтому желание родителей вовлекать детей в процесс занятий музыкой или
как минимум приобщать к музыкальной культуре вполне понятно. С чего
начать и в каком возрасте, рассказывает Татьяна Ланская,
художественный руководитель фонда “Бельканто”:
«Почему именно классика? Как бы высокопарно не звучало, популярная
музыка никогда не сможет стать альтернативой классической. Созданные
Вивальди в 1720 году “Времена года” до сих пор остаются
одним из самых значительных музыкальных произведений за всю историю
музыки и едва ли этот успех удастся повторить современным
поп-исполнителям.
Классика прошла самую строгую проверку — временем. Она выступает прочным
базисом, на основе которого можно формировать музыкальный вкус
и культуру поведения.
Мы очень много работаем с детьми — тщательно готовим детские
программы, юные артисты участвуют в мероприятиях фонда. И могу
с уверенностью отметить, что занятия музыкой способствуют усидчивости,
внимательности, развитию нестандартного мышления, творческих способностей.
Дети, занимающиеся музыкой на протяжении длительного времени, отличаются
от сверстников, далеких от мира музыки: качеством и скоростью
усваивания новой информации, построением логических цепочек, формированием
словарного запаса».
Классику можно слушать с рождения. Что выбрать?
Первое знакомство ребёнка с музыкой возможно еще до его появления
на свет: ведь звуки, поступающие снаружи, также доходят до малыша.
Ввиду этого будущим мамам рекомендуется прослушивание классической музыки, это
благотворно повлияет и на маму, и на малыша.
Дальнейшее погружение в мир классики нужно проводить постепенно.
Не стоит вести годовалого в консерваторию: он может испугаться
непривычно громких звуков, незнакомой обстановки, переволноваться, и в конце
концов и сам не насладится концертом, и другим зрителям
помешает.
Для начала включайте музыку дома, начинайте с небольших отрывков,
постепенно увеличивая их длительность. Обращайте внимание на то,
какие композиторы и произведения вызывают у малыша положительную
реакцию, что больше нравится. Есть ряд композиций, подходящих самым юным
слушателям:
·
“Картинки с выставки” М.П. Мусоргского
·
“Шутка” И.С. Баха
·
“Карнавал животных” К.Сен-Санса
·
Пьесы П.И. Чайковского из “Детского альбома”
·
Музыка П.И. Чайковского из балета “Щелкунчик”
·
“Маленькая ночная серенада” В.А. Моцарта
·
“Садко” Н.А. Римского-Корсакова
·
“Музыкальная табакерка” А. Лядова
Да и множество других произведений жанра классической
музыки, начиная с русской композиторской школы и заканчивая такими
корифеями как Бах, Бетховен, Шуман, Шуберт, Мендельсон, Вивальди и другие
выдающиеся авторы.
Специальная “музыка для детей”
В процессе выбора детской музыки обращайте внимание на качество
записи: существуют так называемые адаптированные детские версии, представляющие
собой по сути монофонические мелодии. По глубине звучания, динамике
и яркости они не идут ни в какое сравнение с профессиональной
записью живого исполнения музыкальных произведений. Хорошая запись способна
передать малейшие оттенки и характерные черты исполнителя, максимально
вовлекая слушателя в процесс восприятия музыки.
Разумеется, на эмоциональный окрас произведения тоже нужно обратить
внимание: музыка для пробуждения может быть более экспрессивной, перед сном
наоборот, более спокойной.
Бывает, что первый поход на концерт классической музыки не пришёлся
малышу по душе. Не расстраивайтесь, это не свидетельство
стилистической несовместимости. Выбирайте другую программу и готовьтесь
к новой встрече. Слушайте классику в машине, пока добираетесь
до концертного зала, рассказывайте ребёнку о композиторе,
заинтересовывайте любопытными фактами и аналогиями, старайтесь разбудить
фантазию! Смотрите с детьми концерты, музыкальные конкурсы, оперы, балеты,
мюзиклы, оперетты в театрах и дома, по телевидению или в записи по интернету,
обсуждайте увиденное и услышанное вместе, всей семьёй.
Когда вести ребенка на концерт классической музыки?
В вопросе о том, с какого же возраста стоит начинать
“серьёзное” знакомство, однозначного ответа нет.
Благо индустрия развлечений сейчас развита как никогда,
и не составляет никакого труда подобрать музыкальные мероприятия для
зрителей любого возраста. На что стоит обратить внимание (кроме
возрастного ценза) родителям, так это на продолжительность концерта
и программу. Начинать лучше с самых популярных произведений для
прослушивания с детьми: это “Щелкунчик” П.И.Чайковского,
“Снегурочка” Н. Римского-Корсакова, “Волшебная флейта” В.Моцарта,
“Петя и Волк” С.Прокофьева и др.
Не стоит выбирать для первого посещения слишком продолжительные программы,
увеличивайте время пребывания на концертах постепенно. Как правило,
продолжительность детских мероприятий не превышает одного часа. Этот
промежуток выбран не случайно: за это время дети не успевают
заскучать и рассредоточиться.
Если
вы не уверены, что малыш “осилит” концерт до конца,
берите билеты на места, расположенные рядом с выходом, таким образом,
вы минимизируете неудобства другим зрителям. Помните, что в следующий
раз, и вы можете оказаться на их месте.
Многие
детские музыкальные мероприятия сопровождаются визуальной составляющей —
это очень действенный способ концентрации внимания.
Классическая музыка: нужна ли она
детям?
Обилие
концертов классической музыки для детей заставляет родителей задуматься о том,
нужна ли детям классическая музыка? Поймут ли они её в совсем юном возрасте?
Существует
множество исследований о влиянии музыки на детское восприятие мира. Большинство
из них однозначно склоняется к тому, что классическая музыка необходима ребёнку
для гармоничного развития.
Влияние классической музыки:
Правда
в том, что музыка по-разному действует на людей, но точно известно, что
человеческий мозг реагирует на музыку. Звуки влияют на состояние души и тела.
Музыка воздействует на мыслительную деятельность человека, активизирует
различные отделы головного мозга, вызывает сильный эмоциональный отклик.
Определенные шумы повышают творческие способности, а иногда даже помогают при
травмах мозга.
Ещё
лучше, если ребёнок сам играет классику на музыкальном инструменте. Это
способствует развитию невербального мышления и помогает связать левое полушарие
с правым. Зрительный, слуховой и моторный отделы головного мозга работают
одновременно, когда ребёнок занимается музыкой.
ДЛЯ
ДЕТЕЙ:
Беседы о музыке как виде искусства –
откуда появилась
музыка:
Педагог. Ребята,
сегодня мы поговорим с вами о том, что такое музыка и как она зародилась.
Музыкальные звуки
Мы с
вами уже знаем, что музыка может рассказать нам множество интересных историй о
том, что нас окружает и волнует. Но слышим мы не слова, а звуки. Музыкальные
звуки — это кирпичики музыки. Для добычи звуков люди изобрели специальные
музыкальные инструменты и научили их говорить. Вы уже знакомы с некоторыми
музыкальными инструментами.
(Дети
называют знакомые музыкальные инструменты.)
Но
звуки сами по себе ничего не означают. (Педагог проигрывает детям отдельные
звуки на фортепиано, аккордеоне,
металлофоне, дудочке.) А вот если композитор соберёт эти звуки вместе, объединит
их в мелодию, построит из этих кирпичиков музыкальную пьесу, тогда музыкальные
звуки оживут, заговорят, расскажут нам об увлекательных приключениях, заставят
нас волноваться, грустить, радоваться. Музыкальные звуки отличаются от простых
звуков: они певучие, а в руках музыканта могут быть нежными и суровыми,
протяжными и отрывистыми, грустными и весёлыми. Они могут напоминать вздох или
смех, испуганный вскрик или убаюкивающий напев. Музыкальные звуки очень
многоликие и гибкие, их можно произносить на десятки ладов, поэтому они могут
рассказывать нам о различных событиях. Давайте послушаем музыкальные пьесы и
убедимся в том, какие разные бывают музыкальные звуки.
(П.И.Чайковский
«Детский альбом» «Болезнь куклы» «Похороны куклы» «Новая кукла»; «Марш деревянных
солдатиков»…)
Художники
красками разукрашивают, рисуют картины, а музыканты и композиторы разукрашивают
и украшают музыку музыкальными красками – оттенками (звуки бывают громкие и
тихие, длинные и короткие, весёлые и печальные, быстрые и медленные и т.д.)
Музыка
появилась еще тогда, когда на земле не было ни больших городов, ни маленьких
посёлков и деревень. Но уже в те далёкие от нас времена люди не могли прожить
без музыки ни одного дня. Музыка сопровождала человека повсюду: и в его работе,
и в бою, и на отдыхе. В радостные минуты и в минуты печали музыка была с
человеком.
Сначала
люди сами сочиняли и исполняли музыку. В ней они рассказывали о различных
событиях своей жизни. Потом появились музыкальные инструменты, на которых могли
играть только музыканты. Музыку для них стали сочинять композиторы. Вам,
конечно, знакомо слово «композитор». Это человек, который пишет музыку. Каких
композиторов вы знаете? (дети отвечают.) А как композитор пишет музыку? (дети
отвечают, педагог помогает им.) Правильно, он пишет музыку с помощью
специальных музыкальных знаков – нот (Показывает детям ноты.)
Так же как писатель пишет свои
рассказы с помощью букв и слов, композитор сочиняет свои музыкальные истории с
помощью нот. Но для того чтобы эти истории услышать, их ещё нужно уметь
«прочитать». Это могут сделать музыканты, которые исполняют музыку разных
композиторов на различных инструментах. Давайте послушаем пьесу композитора
«Клоуны» Д.Кабалевского и попытаемся понять, что нам хотел рассказать автор в
своём произведении. (Дети слушают произведение, а затем делятся своими
впечатлениями.)
Что же такое музыка?
Музыканты говорят, что это язык чувств. Физики говорят, что это
звуковые колебания, вибрация. А поэты пишут стихи, посвященные музыке.
Послушайте стихотворение К. Ибряева, посвященное музыке.
Тихо-тихо рядом сядем –
Входит музыка в наш дом
В удивительном наряде,
Разноцветном, расписном.
И раздвинутся все стены –
Вся земля видна вокруг:
Плещут волны речки пенной,
Чутко дремлют лес и луг.
Вдаль бегут степные тропки,
Тают в дымке голубой…
Это музыка торопит
И ведёт нас за собой.
Вместе с музыкой хорошей
К нам приходит волшебство,
Осторожней, осторожней,
Не спугнуть бы нам его.
Если мы остановимся, замрем
и прислушаемся, то услышим звуки мира
окружающего нас. На
прогулке в лесу мы услышим шелест листьев, журчание лесного ручейка, пение
птиц, стрекотание насекомых — поёт лес на разные голоса. На берегу моря —
шум прибоя, крики чаек, дельфинов. И нам до бесконечности хочется слушать
музыку моря.
Когда же впервые человек слышит
музыку?
Наверное, в
первый раз он слышит мамину колыбельную. Колыбельные песни, как правило,
спокойные по характеру, несколько монотонные, убаюкивающие, ласковые,
уговаривающие успокоиться, закрыть глаза…уснуть.
Где же звучит
музыка?
Дома — это
мультфильмы, фильмы, телепередачи, все они сопровождаются музыкой, которая
подчеркивает сюжет, драматургию, характеры героев, что побуждает эмоциональному
сопереживанию и лучшему осознанию содержания.
Начиная с детского сада, музыка звучит на всех праздниках, сопровождая
песни и танцы. На музыкальных занятиях дети знакомятся с народной, классической
музыкой, другими музыкальными стилями. В школе дети изучают такой предмет, как
музыка, и продолжают слушать и исполнять музыку.
Все великие композиторы всегда писали музыку для детей наверное потому,
что дети самые благодарные слушатели. Композиторы старались писать музыку
яркую, образную, стараясь изобразить в музыке природные явления — дождь, гром, пение
ручейка, шум моря и т.д. А так же композиторы старались выразить в музыке
мысли, чувства, настроение людей — радость, веселье, грусть, обиду, любовь и
ненависть т.д.
Музыку
писали на все случаи жизни. Для детей — колыбельные, танцевальные, игровые
песни. Для праздников танцевальную музыку: вальсы, польки, мазурки, полонезы,
аранжировки народных танцев. Для торжеств и парадов — марши. Народ всегда
слагал песни о своей жизни, они помогали в работе, на празднике, в
повседневной жизни.
В классе хореографии все движения выполняются под музыку. Музыка
задает темп, ритм, характер. Какой же это танец без музыки?
Попробуйте рассмотреть внимательно, в деталях, какой – нибудь
рисунок, орнамент, которым украшают блюдца, чашки, деревянные ложки, самовары,
фигурки… В каждом орнаменте отдельные его элементы повторяются и повтор этот
отличает одна особенность – ритмичность. В музыке мы можем услышать такую же
ритмичность: длинные, короткие, средние по длительности звуки равномерно,
упорядоченно чередуются, образуя красочные ритмические узоры, или ритмические
рисунки.
Как
музыка влияет на человека?
Существует
множество исследований о влиянии музыки на детское восприятие мира. Большинство
из них однозначно склоняется к тому, что классическая музыка необходима ребёнку
для гармоничного развития.
Влияние классической музыки
Правда
в том, что музыка по-разному действует на людей, но точно известно, что
человеческий мозг реагирует на музыку. Звуки влияют на состояние души и тела.
Музыка воздействует на мыслительную деятельность человека, активизирует
различные отделы головного мозга, вызывает сильный эмоциональный отклик.
Определенные шумы повышают творческие способности, а иногда даже помогают при
травмах мозга.
Ещё
лучше, если ребёнок сам играет классику на музыкальном инструменте. Это
способствует развитию невербального мышления и помогает связать левое полушарие
с правым. Зрительный, слуховой и моторный отделы головного мозга работают
одновременно, когда ребёнок занимается музыкой.
Звуки различных
инструментов по разному влияют на организм человека: звучание ударных
инструментов способно дать ощущение устойчивости, уверенности в будущем,
физически взбодрить, придать человеку силы.
Духовые
инструменты влияют на формирование эмоциональной сферы. Медно-духовые инструменты
мгновенно пробуждают человека ото сна, делают его бодрым и активным.
Интеллектуальной
сфере соответствует музыка, исполняемая клавишными инструментами, особенно
фортепианная. Неслучайно звучание рояля называют самой математической музыкой,
а пианистов относят к музыкальной элите, которая обладает чётким мышлением и
очень хорошей памятью.
Струнные
инструменты прямо воздействуют на сердце. Они, особенно скрипки, виолончели и
гитары, развивают в человеке чувство сострадания. Вокальная музыка
влияет на весь организм, но больше всего на горло.
На музыку
реагирует и температура тела. Громкая музыка с сильными ритмами может повысить
температуру на несколько градусов и согреть в холод, в то время как мягкая,
спокойная музыка способна «охладить» нас.
В чем польза классической музыки для
детей?
1.
С помощью прослушивания некоторых произведений классической музыки
мы можем поднять уровень серотонина в крови, гормоны радости заставляют
нас испытывать приятные эмоции при прослушивании классических произведений.
2.
Пение под классическую музыку улучшает дыхательную систему,
что очень важно для детей с хроническими заболеваниями легких.
3. Классическая
музыка помогает сформировать эстетическую и художественную культуру
у детей. Изучая классику, дети учатся сопереживать, знакомятся с разными
эмоциями, которые встретятся им и во взрослой жизни, они учатся выражать свои
впечатления, знакомятся с жизнью в другой эпохе и расширяют свой кругозор.
Вывод:
классическая музыка для детей — необходимость.
Доклад по музыке на тему «Классика и современность»
Учителя ГБОУ СОШ с.Русский Байтуган
Гарипова Шагита Газизовича
Дата: 12.05.2015г.
Исполнительское искусство тем и прекрасно, что способно сохранить в реальном звучании огромный классический репертуар музыки трех-четырех столетий. У фортепианного же исполнительства есть еще и свои особенные отношения с классикой. Так уж сложилась история музыки, что период выдвижения фортепиано среди инструментов, период формирования собственно фортепианно-исполнительского искусства совпал с эпохой утверждения и величайших завоеваний классического стиля.
Творчество великих композиторов-пианистов конца 18 – начала 19 века предопределило пути развития инструмента и искусства игры на нем на долгие годы вперед.
Генрих Густавович Нейгауз писал: “Глухой Бетховен создал неслыханные фортепианные звучности и предопределил развитие рояля на много десятков лет вперед.
Творческий дух композитора предписывает роялю законы, которым он постепенно повинуется. Такова история развития инструмента. Обратных случаев я не знаю”.
Академик Борис Владимирович Асафьев размышляя о другом гении эпохи классицизма, писал: “На грани 18 и 19 веков судьба дала миру возможность созерцать в личности великого композитора Моцарта явление исключительного в своей многозначительной выразительности сосредоточения творческой силы. Пожалуй, в музыке нет имени, перед которым человечество так благоговейно склонялось… Моцарт – символ самой музыки. Кажется, что он – ее творение”.
Классицизм Моцарта и Бетховена роднят возвышенность и гармоничность музыкального самовыражения, поэзия строгости, ясности и чистоты, помноженные на мятежный дух импровизации. Здесь мы остановимся.
Дух импровизации… В наше время почти полной автономии исполнительского искусства мы забываем о значении этой величайшей из традиций в музыкальной истории. А ведь вплоть до 19 века, развиваясь в нерасторжимом единстве, композиторское и исполнительское искусство имело один общий источник и способ музыкального мышления – звукотворческую импровизацию. Отсвет этого единого процесса сочинения-исполнения окрашивает многие страницы произведений Моцарта и Бетховена (достаточно вспомнить гениальные фортепианные фантазии Моцарта или непревзойденные по красоте, мятежные по духу бетховенские сонаты – “Лунную”, “Патетическую”, “Аппассионату”).
Отметим некоторые особенности исторического момента. Если на ранних стадиях игры на клавире исполнителю предоставлялась полная свобода фантазий и экспромтов (ведь первейшей заповедью клавесиниста было умение “разукрашивать” мелодию, импровизируя во время исполнения изысканнейшие мелизмы), то в эпоху Моцарта и Бетховена искусство исполнительской импровизации уже столкнулось с требованиями классических регламентов.
Композиторы начинают решительно возражать против импровизационных изменений, требовать тщательного исполнения всех деталей текста. И эти требования находят отражение в нотных записях. Возьмите в руки ноты, изданные в 17 – первой половине 18 века, и вы не обнаружите ремарок исполнительского характера. Великий Бах в автографах не оставил почти никаких указаний для интерпретации своих клавирных сочинений (о характере темпа, фразировки, динамики, расшифровки украшений и прочего), загадав тем самым сложнейший ребус своим потомкам. Однако уже в конце 18 столетия и особенно в первой четверти 19 – картина резко меняется.
Вырабатывается система условных обозначений для исполнителя, и композиторы начинают уснащать нотный текст соответствующими пометками. Очень ясно тенденция к свертыванию импровизации прослеживается в исполнении инструментальных концертов, получивших в эпоху классицизма большое распространение. В старинных концертах виртуозное развитие партии солиста достигало высшей кульминации в момент так называемой каденции – когда оркестр замолкал и солист получал свободу импровизировать на темы концерта. Каденция была творческой “отдушиной” для исполнителя, где он выказывал всю свою фантазию и виртуозность. Ни Бах, ни Гайдн, ни даже Моцарт не выписывали нотами каденций, которые они импровизировали во время исполнения своих концертов.
Однако под напором рационалистических идей музыкального классицизма и с повышением художественных требований импровизационные каденции в концертах (так же, как и вообще исполнительские экспромты) начали решительно изгоняться. И уже от Бетховена последовало самое решительное “вето”: он первый из композиторов выписал в своем Пятом фортепианном концерте полностью всю каденцию – от ноты до ноты. И с тех пор сочинение каденции наряду с остальным текстом концертов постепенно вошло в композиторскую практику. Не следует понимать дело так, что, борясь против импровизационных вольностей исполнителей, сами композиторы исключили импровизацию из своей концертной практики. Напротив! Век классицизма подарил миру величайших композиторов-импровизаторов, перед которыми современное им общество более всего и преклонялось за эти вдохновенные экспромты.
Еще ребенком Моцарт покорил половину Европы, выступая как клавесинист-пианист, композитор-импровизатор, а также органист, дирижер, скрипач. Об искусстве Моцарта ходили легенды. И, как свидетельствуют современники, во всех собраниях, где выступал Моцарт, от него прежде всего ждали импровизации на клавире. В “академиях” – концертах для аристократических кругов – Моцарт имел обыкновение выступать с импровизацией и концертом, написанным специально для этого вечера.
Известны были случаи, когда ему приходилось, готовясь к “академиям”, сочинять по два концерта в неделю. Кстати сказать, творческая плодовитость великого композитора всегда поражала и привлекала внимание музыкантов. Мы наблюдаем это и в наши дни. Геннадий Николаевич Рождественский, комментируя один из своих концертов в Большом зале Московской консерватории, рассказывал: “Несколько дней тому назад я в который раз взял в руки каталог сочинений Моцарта, составленный Людвигом фон Кехелем в городе Зальцбурге в 1862 году. В этой книге, посвященной только лишь перечислению произведений Моцарта, 984 страницы! Перечисление же сочинений Моцарта нам хорошо знакомых максимально займет, по моим подсчетам, десять страниц. Призвав на помощь арифметику, мы приходим к печальному выводу: нам не известно на сегодняшний день 99% сочинений Моцарта…”
Однако вернемся к музыкальным “академиям” 18 века. Сохранились восторженные воспоминания современников об этих вечерах. “К концу академии, – вспоминает один из слушателей выступления композитора в Праге, – Моцарт фантазировал на фортепиано добрых полчаса и возбудил энтузиазм восхищенных чехов до крайнего предела, так что вынужден был, понуждаемый бурными одобрениями, которые ему высказывали, снова сесть за клавир… С еще большим подъемом начал он в третий раз; еще никто так не играл. Вдруг среди гробовой тишины громкий голос из партера крикнул: “Из Фигаро!” – на что Моцарт экспромтом сыграл дюжину интереснейших и искуснейших вариаций на мотив любимой арии “Мальчик резвый”. Он кончил эти удивительные творения среди бушующего восторга слушателей”.
Моцарт как исполнитель классического стиля импровизировал в строгой, логически завершенной музыкальной форме, успевая оттенять детали с неподражаемой грацией и одухотворенностью. Все это делало импровизации Моцарта шедеврами композиторской мысли и вдохновения. Об этом рассказывал известный пианист Муцио Клементи, вспоминая о своем исполнительском состязании с венским композитором. Турнир виртуозов, в обширную программу которого входило исполнение собственных сочинений, импровизаций и чтения с листа, происходил в 1781 году при дворе австрийского императора и вошел в музыкальную историю как выдающееся событие подобного рода. Он принес победу и новые лавры Вольфгангу Амадею Моцарту.
В своих требованиях к исполнительскому искусству Моцарт был выразителем строгой классической эстетики. Он отрицал субъективистские вольности интерпретаторов, допускающих искажения текста и самого характера произведений. Он требовал от интерпретаторов абсолютно точного исполнения всех нот, пауз, украшений, соблюдения надлежащего темпа. Его раздражали излишне быстрые темпы. “Ни на что Моцарт не жаловался так сильно, – вспоминает один из современников, – как на порчу его сочинений при публичном исполнении, главным образом, путем преувеличения темпа”. Кроме того, Моцарт боролся за ясность и выразительность исполнения, против излишков всякого рода чувственности, сентиментальности, внутренней и внешней аффектации (“…я не делаю никаких гримас”). Отсюда и его отношение к tempo rubato, то есть к исполнению не строго в такт, а достаточно свободному. “Все они удивляются, – пишет Моцарт в одном из писем, – что я всегда точно соблюдаю такт. Они не могут себе представить tempo rubato в Adagio, при котором левая рука об этом ничего не знает”. Поразительные слова! Они прямо адресованы в наши дни, словно пронизывая насквозь и увлекая вместе с собой весь романтический 19 век! Не случайно Артур Рубинштейн, с грустью размышляя о том, что “утеряно искусство истинного rubato, которым владели корифеи прошлого”, подчеркивает: “Чтобы понять Шопена, нужно знать, что композитор был учеником Баха и Моцарта, учеником точности и гармонии”.
Да, Шопен был духовным учеником Моцарта. И спустя несколько десятилетий он повторил мысль учителя, облекая ее в более современную форму: “Пусть ваша левая рука будет дирижером”. Эта мысль о дирижерском, ритмическом начале фортепианного исполнительства имела счастливую судьбу. Она была развита русскими исполнителями и критиками середины и конца 19 столетия, “материализовалась” в исполнительском творчестве крупнейших русских пианистов (прежде всего Рахманинова, о чем речь еще впереди), получила разнообразное развитие в методических работах 20 века.
По-видимому, прав был Георгий Васильевич Чичерин, констатируя стойкость некоторых легенд о Моцарте, “возникших в непонимавшем его 19 столетии”, в частности, легенды о том, что Моцарт – “солнечный юноша”. “Раньше были поразительно близорукими в отношении Моцарта, – пишет Чичерин в своей прекрасной книге “Моцарт”, – вещи, прямо трепещущие отчаянием, считали веселыми и грациозными… Как говорит Феликс Гюнтер: “Самое великое в нем – драматизм его творчества. Этот драматизм есть чистая человечность…” Надо отдать должное современным советским интерпретаторам Моцарта, вступившим в полосу нового познания и переоценки наследия великого композитора. В работах пианистов над фортепианным репертуаром заметны тенденции “читать” глубокий, далеко не однозначный подтекст моцартовых созданий, драму скрытых страстей, сохраняя идеал классической музыкальной формы. Одной из лучших интерпретаций Моцарта последних лет стал его Концерт для фортепиано с оркестром си-бемоль мажор в исполнении Святослава Рихтера…
В творчестве Людвига ван Бетховена, которое стоит на гребне двух веков, фортепианный классицизм обретает свое высшее выражение. Его искусство уже ничем не расплачивалось с “галантным” веком, и все было обращено в будущее, воплощая бунтарские идеи революционной эпохи.
Бетховен-композитор неотделим от Бетховена-пианиста. Прометей в музыке, он был титаном-ниспровергателем в исполнительском искусстве. Он создал пианизм нового героического стиля, сближающего музыку фортепианных сонат с музыкой его великих симфоний. Он первым из композиторов открыл оркестровую мощь нового клавишного инструмента, расчистив дорогу Листу и Антону Рубинштейну. Он дал образцы фортепианной игры огромного динамического напора, резких “черно-белых” контрастов, выразительно-речевых драматических эффектов. “Дух его, – по рассказам современников, – рвал все сдерживающие оковы, сбрасывал иго рабства… Его игра шумела, подобно дико пенящемуся вулкану”. Размышляя о фортепианном искусстве Бетховена, Леонид Владимирович Николаев писал: “Думаю, что пианизм Бетховена сложился не без влияния драматического искусства начала 19 века. Тогда артист в порыве страсти должен был кататься по земле, рвать на себе волосы, скрежетать зубами, кричать… Нужно отрешиться от ошибочного убеждения, будто как раз 19 век отличался сдержанностью. Нет, в бетховенскую эпоху играли с чувством, с пафосом, декламационно”. Бетховен проявлял характерный для композитора-классика “деспотизм” по отношению к исполнителям собственных произведений. Категорически запрещал даже малейшие отклонения от авторского текста и поэтому не одобрял игры наизусть (то есть не глядя в ноты), которая в ту пору начинала входить в концертную практику.
Он с самоотверженной точностью исполнял произведения Генделя, Глюка, Баха. Собственные же фортепианные творения играть не очень любил, предпочитая импровизировать. Гениальные импровизации Бетховена славились по всей Европе. По словам ученика Бетховена Фердинанда Риса, эти импровизации “были самым замечательным из всего, что можно было вообще услышать”. Они доводили до слез, до восторженного потрясения массы людей. Сам же Бетховен порой разражался…
смехом. “Художники пламенны, они не плачут”, – говорил этот бунтарь-республиканец, бросавший вызов всему свету, покидавший дворцы князей и скитавшийся по закоулкам старой Вены…
“Выражением бетховенского лица стала судорога, – писал о своем великом предшественнике композитор Рихард Вагнер, – судорога упорства, которая никогда не может разрешиться в улыбку, а только в громкий хохот… Пианизм Бетховена не мог не стать антиподом всякой светскости и утонченности. В его открытом пафосе и страстных интонациях протеста звучал голос народных масс. Композитор сделал материальную стихию фортепианного звука не предметом “ушеугодных” наслаждений, но орудием идеи, мысли, борьбы.
Главной же мыслью Бетховена было – восславить радость из бездны скорби… Можно было бы написать огромное исследование о том новом, что внесла советская исполнительская школа в изучение и исполнение произведений Бетховена. Оно отразило бы факты удивительных масштабов и содержания, начиная от самой атмосферы, которой было окружено имя Бетховена с первых же дней Октябрьской революции (атмосферу, которую определяло прежде всего отношение к нему Горького, Луначарского, видевших в Бетховене духовного союзника революционной эпохи), – кончая современными методическими программами для музыкальных школ, училищ и консерваторий, где творчество венского классика занимает одно из самых почетных мест.
Достаточно сказать, что самая капитальная исполнительская редакция, созданная в советской школе, посвящена Бетховену, его 32 фортепианным сонатам. Этот многолетний труд стал делом жизни крупнейшего пианиста московской школы – Александра Борисовича Гольденвейзера. Не случайно серьезный вклад в “бетховениану” сделали и его ученики Т. Николаева и Д. Благой. Годы идут, но не слабеет духовный союз Бетховена с современностью. Музыка этого бездонного композитора открывает необозримые просторы для исполнительских индивидуальностей. Вот что рассказывает о “своем” Бетховене выдающаяся советская “бетховенистка” Мария Израилевна Гринберг, посвятившая записям всех его сонат последние 12 лет жизни: “В молодости меня называли “созерцательной” пианисткой. Бетховен научил меня мужественности, собранности, непрерывно активной форме выражения. Строгость и свобода одновременно!
И все это при колоссальном внутреннем динамизме, идущем от энергии мысли, которая и составляет основу стиля Бетховена. Мне кажется, Бетховена сближают с современностью именно черты героизма, энергии, лаконизма форм”.
Поучительно, какое огромное внимание отдают советские пианисты самому значительному и загадочному в бетховенском наследии – его последним фортепианным сонатам. Еще памятны гипнотические интерпретации этих сонат Марией Вениаминовной Юдиной (существующие также в грамзаписях), исповедальность и философичность ее манеры, своеобразный властный метроритм. Дмитрий Дмитриевич Шостакович, учившийся вместе с Юдиной в Петроградской консерватории, рассказывал, как на всю жизнь запомнилось ему юдинское исполнение Тридцать второй сонаты Бетховена, особенно ее второй части: “…слушаешь и оторваться, расслабиться внутренне хотя бы на секунду невозможно”. Любопытно, что некоторые взгляды Юдиной претворяют в своих творческих исканиях современные пианисты. К примеру, Борис Петрушанский, работая над “программным” замыслом знаменитого Arioso dolente из Тридцать первой сонаты, вспоминал слова Марии Вениаминовны о том, что “Орфей был первый романтик”.
Молодой исполнитель создал оригинальную романтическую исполнительскую концепцию этой сонаты, где есть и Орфей, и Эвридика, и блуждания в подземном царстве Аида, и неожиданные выходы к свету. Arioso dolente – песнь Орфея. Второе возвращение к фуге – взгляд, брошенный на Эвридику… Трактовке поздних сонат Бетховена Святославом Рихтером посвящены десятки страниц критических статей. Здесь хочется сказать о главном. Уникальна способность Рихтера полностью погружаться в огромный, неохватный по духовным далям мир глухого гения. В конгениальности его исполнения поздних сонат Бетховена решающее значение имеет та “страстная объективность” и совершенное чувство формы, о которой любил говорить Нейгауз, размышляя о своем любимом ученике.
“Соразмеренность гармонии, идущая от самых глубин классического мироощущения, гармония чуть ли не эллинского происхождения – вот в чем главная его сила”, – писал о Рихтере Генрих Нейгауз.
Еще сравнительно недавно принято было думать, что интерпретация поздних сонат Бетховена – непосильное дело для молодых пианистов, не обладающих еще достаточной артистической и человеческой зрелостью. Что же мы наблюдаем в наши дни? Одной из лучших интерпретаций 21-летнего Михаила Плетнева на 4 Международном конкурсе имени П. И. Чайковского, была Тридцать вторая соната Бетховена, а точнее – вторая ее часть, Ариетта. Завоевав золотой приз конкурса, Михаил Плетнев включил в программу своего первого сольного концерта в Большом зале Московской консерватории эту же сложнейшую, философичнейшую из сонат, загадка которой мучила величайших исполнителей. И как играл! В одном из послеконкурсных интервью на вопрос “Близок ли Вам бетховенский титанический пианизм сверхконтрастов?” Михаил Плетнев ответил: “Искусство Бетховена не знает середины. Сверхконтрасты – грани души великого композитора. Что же касается до-минорной сонаты, то это одна из самых возвышенных бетховенских сонат. Секрет сложности исполнения этой музыки – в способности отрешения. Играя сонату, каждый раз надо подниматься до каких-то новых необозримых высот…”
Источник информации:
http://art.sovfarfor.com/muzyka/i-klassika-i-sovremennost
Обновлено: 27.04.2023
1789 — Людвиг стал вольнослушателем философского факультета Боннского университета.
1792 — окончательный переезд в Вену. Симпатии к Французской революции.
Людвиг ван Бетховен
Представитель венской классической школы, Бетховен вслед за И. Гайдном и Вольфгангом Моцартом разрабатывал формы классической музыки, позволяющие отразить разнообразные явления действительности в их развитии. Сонатно-симфонический цикл был Бетховеном расширен, наполнен новым драматическим содержанием. В трактовке главной и побочной партий и их соотношения Бетховен выдвинул принцип контраста как выражения единства противоположностей. Этим в значительной мере обусловлены расширение круга тональностей побочных партий, повышение роли связующих и заключительных партий, увеличение масштаба разработок и введение в них новых лирических тем, динамизация реприз, перенесение общей кульминации в развёрнутую коду. С этим же связано и более широкое понимание границ тональности и сферы действия тонального центра, чем у его предшественников. Бетховен расширил оркестровые диапазоны ведущих голосов, интенсифицировал выразительность всех оркестровых партий.
Бетховен начинал свой творческий путь как новатор и преобразователь пианизма. Он был не только великий композитор, но гениальный исполнитель и непревзойдённый импровизатор. В своё творчество он внёс новые неожиданные изменения, которые с трудом принимались его современниками: это значительное обогащение стиля, расширение границ пианизма. Новые средства выразительности Бетховен черпал из собственных технических возможностей. Бетховен один из первых начал подробнейшим образом сопровождать нотный текст подробными словесными ремарками и динамическими указаниями, проставлять точный темп и педализацию.
Творчество Бетховена привлекает внимание многих отечественных и зарубежных исследователей-теоретиков: Г. Галя, П. Миса, Г. Ноттебома, А. Шмитца, Г. Яловеца; В. Бобровского, А. Климовицкого, Л. Мазеля, Ю. Холопова, А. Альшванга, Б. Асафьева, А. Глазунова, Б. Яворского.
Бетховен скончался в Вене 26 марта 1827 от цирроза печени, осложненного водянкой (вследствие перенесенного в 1825 гепатита).
29 августа 2007 года венский патолог и эксперт судебной медицины Кристиан Рейтер (доцент кафедры судебной медицины Венского Медицинского Университета) объявил, что виновником смерти Бетховена неумышленно стал его врач Андреас Ваврух, который давал ему содержащее свинец и опасное при болезни печени лекарство.
Бетховен в современной музыке
На альбоме испанской Power Metal группы Dark Moor присутствует песня Moon, являющаяся современной переработкой Лунной Сонаты
Бетховен в популярной культуре
Согласно популярному мему, один из родителей Бетховена был болен сифилисом, старшие братья Бетховена были слепыми, глухими или умственно отсталыми. Эта легенда используется как аргумент против абортов.
Родители Бетховена поженились в 1767 году. В 1769 году родился их первый сын, Людвиг Мария, который умер через 6 дней, что было нормально для того времени. Не сохранилось никаких данных о том, был ли он слепым, глухим, умственно отсталым и т. п.. В 1770 году родился Людвиг ван Бетховен, композитор. В 1774-м родился третий сын, Каспар Карл ван Бетховен. В 1776-м родился четвертый сын, Николаус Иоганн. В 1779-м родилась дочь Анна Мария Франциска, она умерла через четыре дня. Не сохранилось никаких данных о том, была ли она слепой, глухой, умственно отсталой и т. п.. В 1781-м родился его брат, Франц Георг (умер через два года). В 1786-м родилась его сестра, Мария Маргарита. Умерла через год, когда Людвигу было 17 лет. В том же году его мать умирает от туберкулёза, что было абсолютно нормальным в то время.
Вы знакомы с беременной женщиной, которая уже имеет 8 детей. Двое из них – слепые, трое – глухие, один — умственно недоразвитый, сама она больна сифилисом. Посоветуете ли Вы ей сделать аборт?
Если Вы посоветовали сделать аборт — Вы только что убили Людвига ван Бетховена.
Я думаю, что на формирование мировоззрения Бетховена сильнейшее воздействие оказали события Великой французской революции и эпохи наполеоновских войн; его творчество тесно связано с современным ему искусством, литературой, философией, с художественным наследием прошлого (Гомер, Плутарх, Уильям Шекспир, Жан Жак Руссо, Иоганн Гёте, Иммануил Кант, Фридрих Шиллер).
Жизнь этого человека была сплошной борьбой. Сначала внутри собственной семьи. Потом с теми людьми, кто не верил в него. Затем с жестокой болезнью. Но он всюду вышел победителем. И теперь имя Людвига Ван Бетховена записано золотыми буквами в историю мировой музыки.
Начало биографии: детские годы
Будущий композитор появился на свет в 1770 году. Его родина — Германия, город Бонн. Музыкальный дар мальчик получил по наследству. Дед и отец Людвига служили придворными певцами. Мама не имела отношения к музыке, но была очень заботливой и нежной к своим троим сыновьям.
Отец Бетховена обучал наследника игре на фортепиано и скрипке. Он хотел сделать из него артиста и возить по городам, чтобы тот зарабатывал концертами деньги для семьи. Но отцовское воспитание было жестоким и суровым.
Первое выступление Людвига состоялось в возрасте 8 лет. А в 10 он познакомился со своим первым учителем Кристианом Нефе. Обучение помогло Бетховену уже в 12 лет написать и издать первые сочинения.
Юность. Первая известность
Бетховен в молодости.
Юноша снова уехал в Вену, он очень хотел учиться дальше. Моцарт к тому времени уже умер, поэтому Бетховен стал заниматься с другими известными композиторами.
В этот период раскрылся его дар как пианиста. Публика полюбила эмоциональную игру молодого исполнителя. Бетховена считают первым музыкантом в истории, который сумел зарабатывать на жизнь своими выступлениями.
Расцвет творчества и лучшие сочинения
Автор исполняет свою музыку.
Ещё Бетховен был мастером симфоний. Симфония — музыкальное сочинение для большого оркестра. Создание такой сложной музыки под силу только настоящему таланту.
Борьба с глухотой. Последние годы и смерть.
В 26 лет Людвиг стал терять слух. Это привело его в отчаяние. Глухота значила, что он уже не сможет быть пианистом. Но она не отнимала возможности творчества.
Бетховен со всей страстью принялся сочинять и записывать музыку, которую представлял и слышал у себя в голове.
Людвиг Ван Бетховен — знаменитый композитор.
Он делал это почти 30 лет. Писал не только произведения для инструментов, но и для голоса. А ещё обрабатывал по-своему песни разных народов мира.
Когда композитору исполнилось 54 года, он создал лучшую и последнюю свою Симфонию № 9 для оркестра и хора. После её исполнения зал встал и приветствовал автора долгими аплодисментами.
Бетховен умер в 56 лет от болезни печени. Его провожала на кладбище толпа из 20 тысяч человек.
Факты из жизни композитора
Как многие гении, этот человек имел сложный и противоречивый характер. Современники рассказывали о нём следующее:
Наследие и память
Мастер оставил нам великие работы в разных жанрах и для многих инструментов. В их числе 9 симфоний, 7 концертов, опера, 48 сонат, церковные произведения, музыкальные пьесы и песни. Их исполняют лучшие оркестры и музыканты.
Памятник композитору в родном Бонне на площади Munsterplatz.
Когда в космос отправляли лучшие образцы земной культуры, в них включили и отрывки из музыки Бетховена.
- Для учеников 1-11 классов и дошкольников
- Бесплатные сертификаты учителям и участникам
муниципальное казённое общеобразовательное учреждение
Бобрышевская средняя общеобразовательная школа
Пристенского района Курской области
Жизнь и творчество
Людвига ван Бетховена
Выполнила: ученица 9 класса Чернышова Татьяна
Проверила: учитель музыки Кучеренко Элина Анатольевна
2. Жизнь и творчество Л. Бетховена……………………………
2.1. Детство и юность композитора…………………………
3. Известнейшие произведения Л. Бетховена…………………
4. Интересные факты из жизни композитора…………………
5. Смерть Людвига ван Бетховена………………………………
7. Список литературы…………………………………………….
На уроках музыки мы часто слушали произведения различных композиторов, но самое сильное впечатления на меня произвела музыка Людвига ван Бетховена – одного из самых гениальных композиторов, дирижера, пианиста. Его считают последним представителем венской школы классицизма. Он писал музыку, которая заставляет плакать и смеяться, взлетать ввысь и стремительно падать вниз. Она вдохновляет и окрыляет, дает надежду на то, что в жизни возможно достичь всего, даже самого невероятного. Ее слушают уже более двух веков и будут слушать вечно, эта музыка бессмертна, как и ее автор – Людвиг ван Бетховен. Мне захотелось узнать более подробно о его жизни и творчестве и я поставила перед собой следующую цель и задачи:
Цель: рассказать о жизни и творчестве Людвига ван Бетховена
Задачи: 1. Изучить жизненный и творческий путь композитора.
2. Показать, насколько интересна музыка Бетховена.
3. Привлечь внимание к классической музыке.
4. Подготовить проект, который будет использоваться как справочный материал на уроках музыки, на классных часах, для общего развития обучающихся.
Гипотеза: Моему окружению будет интересно узнать об одном из великих композиторов, музыка которого звучит и в наши дни.
Жизнь и творчество Людвига ван Бетховена
Детство и юность композитора
Родился Людвиг ван Бетховен 16 декабря 1770 года в немецком городе Бонн. Крестили мальчика на следующий день. Отца новорожденного звали Иоганн Бетховен, он певец, тенор в придворной капелле. Мама, Мария-Магдалина Бетховен (в девичестве Кеверих). Ее отец служил придворным шеф-поваром в Кобленце. Они поженились в 1767 году. Дед будущего композитора – Людвиг Бетховен, был певцом той же капеллы, что и его сын Иоганн, потом занял в ней должность капельмейстера.
Детство Людвига было скорее несчастным, чем счастливым. Отец много пил, поэтому денег катастрофически не хватало даже на самые простые вещи. Комнатка Людвига располагалась на чердаке, она была настолько маленькой, что в ней едва нашлось место для железной кровати и старого клавесина. Пьяный отец в беспамятстве бил супругу смертным боем, частенько перепадало и Людвигу. Мария жалела сына, старалась хоть как-то облегчить ему жизнь, проводила с ним много времени, часто пела для него незамысловатые песенки.
Творческие наклонности проявились у Людвига в раннем детстве, и это не ускользнуло от внимания отца. В те годы везде гремело имя Амадея Моцарта, и отец задумал сделать из сына еще более успешного музыканта, чем прославленный композитор. Он заставлял Людвига много часов сидеть за фортепиано и упражняться игре на скрипке. Чтобы понять, насколько сын музыкально одарен, Иоганн усадил его одновременно за пять инструментов – клавесин, орган, скрипку, альт и флейту. Мальчик много часов проводил за занятиями музыкой, если где-то ошибался, тут же был избит и выпорот. Отец нанимал учителей для сына, но они не отличались особым талантом и не могли дать ему нормальных знаний и навыков.
ОТЕЦ ПРИЛАГАЛ ВСЕ СИЛЫ, ЧТОБЫ ЛУИ КАК МОЖНО СКОРЕЕ НАЧАЛ КОНЦЕРТНУЮ ДЕЯТЕЛЬНОСТЬ, НАДЕЯСЬ НА ЩЕДРЫЕ ГОНОРАРЫ.
Иоганн обратился к архиепископу с просьбой об увеличении ему жалования, а взамен обещал привести в его капеллу талантливого мальчика. Однако доходы семьи от этого не увеличились, все деньги отец тратил на выпивку. Творческая биография Людвига ван Бетховена началась в 6 лет, когда он выступил с концертом в Кельне. Однако его гонорар был более, чем скромным.
Мама поддерживала сына, как могла, и именно благодаря ей появились первые конспекты его импровизаций. Природа дала этому ребенку неимоверный талант, но развивался он мучительно и сложно. Бетховен просто погружался в создаваемую им музыку, и зачастую пребывал в состоянии полной отрешенности от внешнего мира.
В 1782-м должность директора придворной капеллы занял Кристиан Готлобу, который и взялся обучать Людвига. Он видел, что его ученик невероятно одарен, и понял, что такой талант нужно развивать. Чтобы развитие мальчика было максимально полноценным, он знакомит его с литературой, древними языками и философией. Бетховен буквально влюбился в Гете, Шиллера, Шекспира, он часами слушает Генделя и Баха и мечтает когда-нибудь поработать с прославленным Моцартом.
В Вене, которую тогда считали музыкальной столицей Европы, юноша оказался в 1787-м. Там и состоялось знакомство с кумиром – Вольфгангом Моцартом. Услышав, как импровизирует Бетховен, Моцарт пришел в полный восторг, и сказал всем, чтобы не отрывали взгляда от этого мальчика, и что вскоре его имя будет знать весь мир.
ЛЮДВИГ УПРОСИЛ МАЭСТРО ДАТЬ ЕМУ НЕСКОЛЬКО УРОКОВ, НО ВЫНУЖДЕН БЫЛ УЕХАТЬ, ПОТОМУ ЧТО У НЕГО СЕРЬЕЗНО ЗАБОЛЕЛА МАМА.
После похорон матери, Людвиг почувствовал полное отчаяние и безысходность. Это не способствовало дальнейшему развитию творчества, ему нужно было думать, чем кормить двух младших братьев, и как справляться с пьяными выходками папаши. Людвиг обратился к принцу и попросил его выделить семье денежную помощь. Тот не отказал, и семья стала получать довольствие размером в 200 талеров. Над ним насмехались соседи, но Людвиг старался не обращать на это внимание, он пообещал самому себе выбраться из этой нищеты и заработать своим талантом.
В Бонне у талантливого юноши нашлись покровители, благодаря которым он мог свободно присутствовать на музыкальных собраниях и посещать салоны. Это была семья Бройнинг, дочь которых, Лорхен, Людвиг учил музыке. Бетховен был им настолько благодарен, что до конца своих дней поддерживал с ними отношения, особенно с Лорхен и ее мужем доктором Вегелером.
Но встречам двух великих музыкантов не суждено было продолжаться. Умерла мать Бетховена, так нежно и преданно им любимая. Юноша вынужден был принять на себя все заботы о семье. Воспитание двух маленьких братьев требовало внимания, забот, денег. Бетховен стал служить в оперном театре, играя в оркестре на альте, выступать с концертами, давать бесчисленное количество уроков. Начались суровые будни, тяжелая, полная труда и лишений юность. Редкие минуты отдыха Бетховен проводил, бродя по живописным окрестностям Бонна. Красота лесов, долин, тихих берегов Рейна вызывала у него слезы восторга. Любовь к родной природе он сохранил навсегда.
Как раз в это время (1789 год) по другую сторону Рейна, во Франции, свершилось великое событие — революция. Были провозглашены свобода, равенство, всечеловеческое братство. Эти высокие стремления восставшего против королевской власти народа нашли в душе Бетховена горячий отклик. Заветам революции он остался верен всю Жизнь. Юноша полон сил, смелых замыслов. Энергия его ищет выхода в новых сочинениях, в концертной деятельности. Его родной город становится ему тесен. Встреча с Гайдном, проезжавшим через Бонн, укрепила в нем решение ехать в Вену и учиться у знаменитого композитора.
Зрелые годы.
В 1792 году двадцатидвухлетний композитор переехал в Вену, где и жил до конца своих дней. В то время Вена была одним из наиболее крупных музыкальных городов не только Австрии, но и всей Европы. Сюда съезжались лучшие композиторы того времени. На сцене Венского театра ставились оперы, симфонические и камерные произведения звучали в концертах. Виртуозы соревновались в своем исполнительском мастерстве. Здесь жили и творили всемирно известные Гайдн и Моцарт. На улицах и площадях Вены играли народные музыканты (в таких народных ансамблях участвовал когда-то и Гайдн). Имя Бетховена вскоре получило известность. Сначала он завоевал Вену как пианист. Венцев поражали бурные импровизации молодого музыканта, богатство его фантазии. Клавесин, с его звонким, но быстро затухающим звуком, уже не удовлетворял Бетховена. Он начал играть на новом тогда еще инструменте — фортепиано. Изобретенный в начале XVIII столетия итальянцем Кристофори, новый ударно-клавишный инструмент начал вытеснять в эти годы своего скромного предшественника. Только фортепиано, способное издавать громкие, яркие и певучие звуки, смогло выразить грандиозные замыслы музыки Бетховена, передать необычайный характер его исполнения. Молодой виртуоз, в совершенстве овладевший техникой своего искусства, покорил слушателей, оставив далеко позади себя всех современных ему пианистов.
1802 год стал переломным в творчестве Бетховена. Последующее десятилетие является наиболее плодотворным в жизни композитора. Приходит зрелость таланта, начинается бурный расцвет творчества. В эти годы им написаны многие из лучших произведений.
Людвигу удалось скрывать свою болезнь на протяжении десяти лет. Он вел себя так, чтобы окружающие не заподозрили о развивающейся глухоте. Он часто отвечал невпопад или оговаривался, но все считали, что это просто чудачества талантливого маэстро. В 1802 году Бетховен написал завещание, которое адресовал своим братьям, и приказал прочесть его только после смерти.
В произведениях, созданных в эти годы, чувствуется глубина, трагизм и философский смысл. Они становятся классикой на все времена.
Известнейшие произведения Людвига Бетховена
Людвиг ван Бетховен стал автором девяти симфоний, одиннадцати увертюр, свыше сорока танцев и маршей, которые звучат в исполнении симфонических и духовых оркестров.
Собрала для вас похожие темы рефератов, посмотрите, почитайте:
Введение
Мы часто видим, что нынешнее поколение не имеет никакого интереса к мировой культуре. Они не слушают классическую музыку, не читают книги, не хотят посещать выставки и музеи. Они просто находят это скучным, недостойным своего свободного времени. Эта проблема очень актуальна сегодня, потому что есть опасения, что в будущем мы будем иметь взрослое невежество.
Человечество всегда ценило музыку. Ведь он наполняет каждого из нас уникальными эмоциями и чувствами. Поэтому музыкантов всегда ценили и уважали.
Сегодня многие знают, сколько великих и блестящих композиторов было в прошлом. Но они понятия не имеют, что многие мелодии, которые мы все знаем, потому что они часто где-то звучат, принадлежат этим фигурам. Примеров много, но чтобы понять, что это такое, нужно услышать саму музыку.
В современной жизни классическая музыка отступила на второй план, но истинные ценители искусства любят ее так же сильно, как и современность.
Один из наших знакомых композиторов — Людвиг ван Бетховен. Когда его имя упоминается, многие помнят звук его произведения — Лунной сонаты.
Его работа очень важна для нас. Вклад этого композитора во Всемирный музыкальный фонд несоизмерим. Хорошо известно, что Бетховен уже писал сочинения, когда был уже глухим, но, тем не менее, эти сочинения были прекрасны, как и те, которые он создавал, когда его уши были еще совершенно слышимы. Это делает композитора уникальным по сравнению с другими его коллегами.
Поэтому наша цель — выяснить, какой была жизнь великого музыканта и как его современники относились к его музыке.
Это наша работа — выяснить это:
- о начале жизни композитора, о его семье,
- чтобы выяснить, что повлияло на его любовь к музыке,
- каким был стиль жизни композитора,
- сколько великих работ он написал,
- как глухота повлияла на способность писать музыку,
- как другие музыканты обращались с ним в то время.
Мы будем извлекать эту важную для нас информацию, анализируя различные литературные источники.
Детство
Людвиг ван Бетховен — уроженец Нидерландов — родился в Бонне (Рейн) и крестился 17 декабря 1770 года; дата его рождения неизвестна. Его дед, также называемый Людвиг ван Бетховен, поселился в Бонне. Этот человек привлекает особое внимание не только как важная личность в себе, но прежде всего потому, что он ясно показывает начало всех тех способностей и качеств, которые затем проявились так ярко и характерно в его знаменитом внуке. Он обладал выдающимся музыкальным талантом, силой воли и характером, часто в неукротимом упрямстве.
Из всех своих детей он пережил только одного сына, Иоганна, который также причинил отцу много горя. Он был очень мелочным и жалким человеком. Сначала казалось, что из него выйдет хороший музыкант: в двенадцать лет он уже пел в придворном хоре, а потом ему дали должность придворного певца, пусть и с небольшим содержанием. Но из-за непомерной легкомысленности, и прежде всего из-за унаследованной матерью страсти к алкоголю, он вряд ли смог удержать это место. Нехарактерный по природе, но добродушный, под влиянием своей несчастной страсти он стал раздражительным и жестоким, а затем проявил во всей своей силе упорство, унаследованное от отца. Иоганн женился очень рано, вопреки воле отца.
Но под его серой, тяжелой жизнью скрывался луч надежды — выдающиеся музыкальные способности старшего сына Людвига, которые были открыты в раннем детстве. И хотя отцу не суждено было пережить полное развитие таланта своего сына, он не обманулся в своих ожиданиях, и именно этот сын своим даром не только спас всю семью от окончательной смерти, но и окружил имя Бетховена бессмертной славой.
К счастью, все это не помешало развитию его внутреннего грандиозного мира, пусть и значительно позже, благодаря благоприятным условиям, в которых Бетховен впоследствии оказался, но прежде всего благодаря той необузданной воле к прогрессу, которая всегда была одной из характерных черт его характера. Еще в раннем детстве современники рисовали его диким и неразговорчивым, предпочитая одиночество. Из всех его одноклассников никто не мог вспомнить ни розыгрыша, ни приключений на Рейне, ни приключений в горах, ни шуток, ни веселых игр, в которых бы принял участие маленький Людвиг.
Музыка, и только музыка, была его постоянной заботой; в свободные моменты он наблюдал больше, чем он говорил, или полностью отдал себя чувствам и впечатлениям, что музыка, а затем поэты вызвали в нем, а также его неконтролируемое воображение. Иногда он долго сидел у окна, его голова покоилась на обеих руках, и в какой-то момент он неподвижно вглядывался в свой сон. В целом, даже в детстве его поведение и черты характера вызывали у окружающих чувство благоговейного удивления, а к его выдающемуся музыкальному таланту относились с большим энтузиазмом. Это отношение, в свою очередь, повлияло на мальчика, развивая его веру в себя и в свои силы, давая ему бодрость и желание идти дальше.
В любом случае, его талант развивался с удивительной скоростью, и к девятому году жизни мальчик понял, что он превзошел своего отца в своем искусстве. Когда отец сам убедился в этом, он доверил образование сына более опытному учителю — певцу Пфайферу, который занимал комнату Бетховена.
Но, несмотря на смену учителя, сам метод остался прежним. Говорят, что когда отец и Пфайффер возвращались из гостиницы поздно ночью, они часто вытаскивали мальчика из постели и держали его за пианино до утра. Этот раз оставил неизгладимый след в душе Людвига. Но результаты этих уроков были таковы, что когда Людвиг играл со своим учителем (который был хорошим флейтистом) и родственником, под окнами их дома собралась целая толпа; прохожие останавливались и говорили, что такую музыку можно услышать днем и ночью.
Хотя уроки с Пфайфером длились всего год, Бетховен, хотя он уже был известным композитором, не раз говорил, что тем более обязан этому учителю, и однажды, узнав о бедственном положении Пфайффера, он послал ему значительный финансовый вклад, хотя сам он всегда находился в затруднительном положении.
После смерти Эдема учитель Людвига стал его преемником, тогдашним известным композитором, пианистом и органистом Нефа. Никогда еще у Людвига не было такого верного друга, как у его нового, еще молодого учителя, который постоянно заботился о своем ученике и бескорыстно помогал ему. Мальчик, которому было уже двенадцать лет, занимался исключительно игрой на фортепиано и органе, достигая в процессе этого огромного совершенства, но и по сей день серьезно не пробовал свои силы в сочинении. Хотя Людвиг, который был энергичным, впечатляющим и одаренным огненным воображением, несомненно, не раз пытался бросить свои мысли и чувства в тональности, Нефе был первым, кто развил способность мальчика, которая впоследствии сделала его великим. Газеты писали о Бетховене.
Летом 1782 года Нефий был освобожден в длительном отпуске и был вынужден оставить вместо себя наместника. Этим депутатом был одиннадцатилетний Людвиг ван Бетховен, который уже успел заслужить славу прекрасного органиста.
Через год он был назначен придворным органистом, а еще через год уже получал 150 гульденов на годовую зарплату, что составляло половину от общего годового содержания его отца. Это исполнило заветное желание его отца, и пятнадцатилетний сын стал опорой семьи; вскоре его назначили главой семьи.
Молодежь. Переезд в Вену (1792-1802)
Обязанности Бетховена как придворного музыканта значительно расширились, когда эрцгерцог Максимилиан Франц стал курфюрстом Кельна и начал заботиться о музыкальной жизни в Бонне, где находилась его резиденция. В 1787 году Бетховен впервые смог посетить Вену — тогдашнюю музыкальную столицу Европы. По рассказам, услышав пьесу молодого человека, Моцарт похвалил его импровизации и предсказал ему великое будущее. Но вскоре Бетховену пришлось вернуться домой — его мать умирала. Он остался единственным кормильцем семьи, состоящей из развращенного отца и двух младших братьев.
В Вене, куда Бетховен отправился во второй раз в 1792 году и где он оставался до конца жизни, он быстро нашел друзей-меценатов с титулами.
Люди, которые встречались с молодым Бетховеном, описывали двадцатилетнего композитора как коренастого молодого человека, склонного к дендизму, иногда дерзкого, но добродушного и доброго в отношениях с друзьями. Когда ему стало известно о недостатке образования, он отправился к Йозефу Гайдну, известному венскому авторитету в области инструментальной музыки (год назад умер Моцарт), и некоторое время давал ему упражнения на контрапункт. Гайдн вскоре остыл до упрямого ученика, а Бетховен тайно стал брать уроки у И. Шенка, а затем и у более основательного Иоганна Альбрехцбергера. Он также несколько лет посещал известного оперного композитора Антонио Сальери, чтобы улучшить свое вокальное творчество. Вскоре он присоединился к кругу, который объединил любителей и профессиональных музыкантов. Князь Карл Нихновский знакомит юного провинциала со своим кругом друзей.
Политическая и общественная жизнь в Европе того времени вызывала тревогу: когда в 1792 году Бетховен прибыл в Вену, город был взбудоражен известием о Французской революции. Бетховен с энтузиазмом воспринимал революционные лозунги и пел свободу в своей музыке. Смелое нарушение общепринятых норм, мощное самоутверждение и бурная атмосфера музыки Бетховена были бы немыслимы в эпоху Моцарта.
От глухоты до смерти
Болезнь развивалась постепенно. Уже в 1798 году он жаловался на шум в ушах, ему было трудно различить высокие тона, понимать разговор шепотом. Испуганный перспективой стать объектом жалости — глухим композитором, он рассказал о своей болезни близкому другу Карлу Аменде, а также врачам, которые посоветовали ему максимально защитить свой слух. Он продолжал обращаться к своим венским друзьям, участвовал в музыкальных вечерах и много сочинял. Он был настолько хорош в сокрытии своей глухоты, что до 1812 года даже те, кто с ним встречался, часто не знали, насколько серьезна его болезнь. То, что он часто отвечал недовольно в разговоре, объяснялось плохим настроением или отвлекающим маневром. композитор бетховенской музыки
Судьба других поздних произведений была более сложной. Спустя много лет после смерти Бетховена, только тогда самые восприимчивые музыканты начали исполнять его последние квартеты и открывать людям самые высокие и лучшие достижения Бетховена. Иногда поздний стиль Бетховена описывается как созерцательный, абстрактный, а в некоторых случаях — как презрительный по отношению к законам благополучия; на самом деле, эта музыка является недобросовестным источником мощной и разумной духовной энергии.
Бетховен умер в Вене 26 марта 1827 года от пневмонии, осложненной желтухой и капельницей.
Анализ творчества
Опубликованные в 1801 году шесть струнных квартетов или. 18 можно считать величайшим достижением этого периода; Бетховен, очевидно, не торопился с публикацией, так как знал о высоких образцах квартетной литературы, которые оставили позади Моцарт и Гайдн.
Заключение
Таким образом, мы познакомились с биографией великого композитора Людвига ван Бетховена. Мы выполнили основные задачи этой работы — узнали больше о его жизни, об испытаниях и невзгодах, которые догнали этого человека на трудном жизненном пути.
Дед Людвига был известным и влиятельным человеком, и в глазах внука он навсегда остался идеалом, достойным компенсации за то, что Бетховен сделал в будущем. Именно дедушка подарил мальчику любовь к музыке, к ее мелодичному и душераздирающему строю.
Но детство композитора ни в коем случае не было ослепительным. Семья практически жила в нищете. Мой отец любил пить, и пить регулярно. Он заставил маленького мальчика сидеть за музыкальным инструментом с утра до вечера с особой строгостью, как только увидел, что у его сына есть шанс стать великим музыкантом, превосходящим по своим способностям. Он нанял его, чтобы обучать своих учителей работе с молодым Людвигом.
Но, несмотря на трудное детство и неприятные воспоминания, Бетховен все же связал свою жизнь с музыкой и даже был очень благодарен одному из своих учителей, хотя часто не давал молодому музыканту заснуть.
Даже Моцарт восхищался Людвигом, он считал, что у перспективного молодого человека большое будущее в музыке. Бетховен полностью оправдал свои ожидания и, познакомившись со своими современниками, встал на один уровень с величайшими композиторами всех времен. Он написал много замечательных композиций, которые навсегда останутся великим мировым сокровищем для всех нас.
Таким образом, анализируя литературные источники, мы не только достигли своей цели, но и духовно обогатились, узнав что-то новое о композиторе.
Хочется верить, что сегодняшнее поколение начнет интересоваться действительно прекрасными достижениями людей из прошлого. Ведь произведения искусства прошлых веков должны идти рука об руку с современными. Без сомнения, в постиндустриальную эпоху есть много других интересных занятий, но они все равно уступают классической музыке или чтению книг. Ты всегда должен помнить об этом.
Список литературы
Образовательный сайт для студентов и школьников
© Фирмаль Людмила Анатольевна — официальный сайт преподавателя математического факультета Дальневосточного государственного физико-технического института
Читайте также:
- Влияние социальных сетей на молодежь реферат
- Договор лизинга рб реферат
- Реферат модели социокультурной динамики
- Подготовить творческий проект на тему уфа музыкальная презентация видеоролик реферат или сообщение
- Легкоатлетическая подготовка на свежем воздухе виды оздоровительный эффект реферат
Понятие «классической музыки» очень размытое с точки зрения терминологии понятие. В общепринятом понимании, классической называют музыку, выдержавшую проверку временем и оставшуюся популярной на протяжении многих лет после момента своего создания.В историческом плане к понятию «классической музыки» относят музыкальную традицию классицизма, а точнее 18 и 19 веков. Другая периодика, на которой мы и остановимся, ограничивает период классической музыки Средневековьем, когда она зародилась, и нынешним временем, когда она все еще существует.
В истории классической музыки выделяются отдельные периоды развития.
Ренессанс
Самый длительный период в истории классической музыки, охватывающий 1400-1600 гг. Эпоха Возрождения и бурного развития искусства, оставившая в мировой музыкальной традиции произведения таких композиторов, как Томас Луис де Виктория, Джованни да Палестина, Томасс Таллис и в том числе музыкальное творчество Шекспира.
Барокко
Эпохе Барокко (1600-1750 гг.), следующей за Ренессансом, характерны более сложные музыкальные формы, появление новых жанров, разнообразие жанров, полифония. Именно в эпоху Барокко получила расцвет опера и стали популярными композиторы, которых слушают и наследуют по сей день: Иоганн Себастьян Бах, Антонио Вивальди, Георг Фридрих Гендель.
Классицизм
Эпоха классицизма в развитии классической музыки ограничивается периодом 1750-1830-х гг., с которым неизменно соотносят имена композиторов Венской школы – Моцарта, Гайдна, Бетховена.
Франц Йозеф Гайдн
Внутри эпохи классицизма выделяют переходный период, между смертью Иоганна Себастьяна Баха в 1750 году и зрелым творчеством Моцарта в 1770-е гг. Этот период имеет свое французское имя – «Galante».В целом музыке классицизма характерна гармоничность и сбалансированность, каноничность форм, появление сонатной формы и развитие симфоний, расширение состава оркестра, большая эмоциональность произведений.
Романтизм
В эпоху романтизма активно развивались формы, жанры и идеи музыки классицизма. Произведениям этого периода характерна эмоциональная выразительность, драматичность. Именно в это время получают развитие многие песенные жанры, в частности, баллады. Особой популярностью пользовалась фортепианная музыка, к примеру, произведения Шопена и Листа.
Ференц Лист
Среди композиторов музыки романтизма выделяют, в первую очередь, Бетховена, который считается скорее предшественником романтизма наряду с Керубини. Позже заложенные ими музыкальные традиции наследовали Шуберт, Вагнер, Чайковский…
Классическая музыка XX века
В 20 веке классической музыке характерна склонность к экспериментам, которые не ограничены ничем, кроме воли и фантазии самого композитора. Зарождаются такие понятия, как атонализм (или атональность, то есть отказ от логики тональности) и алеаторика (случайная последовательность элементов в композиции).Из композиторов XX века к классической музыке относят творчество Рахманинова, Бриттена, Гласса, Стравинского, Бернстайна.
Современную классическую музыку нередко путают с постклассической. Действительно, грани между музыкальными стилями XX века настолько размыты, что отнести определенной произведение к тому или иному стилю подчас весьма непросто.