Эпоха барокко реферат по музыке

  • Доклады
  • Музыка
  • Музыкальная культура барокко

Доклад-сообщение Музыкальная культура барокко

Эпоха барокко – довольно таки значимый период в развитии европейской академической музыки. Она берет свое начало со времен эпохи Возрождения и предшествует классицизму. Музыка того времени (как, впрочем, и искусство барокко в целом) характеризуется вычурностью, динамикой, довольно таки сложными, витиеватыми формами.

Именно в данный отрезок времени родились творения Йоганна Себастьяна Баха, Антонио Вивальди и многих других известных композиторов. Изменилась также музыкальная нотация и способы игры на инструментах.

Рассматривая музыку эпохи «барокко» в целом, можно сказать, что ей присуща некая помпезность, высокопарность, а также легкий оттенок странности. Возникли  полифония и контрапункт, которые начали стремительно развиваться, появились консонансы. Стоит отметить, что в барочной музыке им уделялось особое внимание, ведь они участвовали в построении аккордов.

Была предложена и введена техника органно-клавирного искусства. В сравнении с Ренессансом, музыка барокко стала несколько более эмоциональной и живой, имела более разнообразную стилистическую окраску. Довольно большой популярностью пользовались фуги, а среди инструментов активно использовались лютни, виолы и прочие струнные.

Также писались сонаты и сюиты, а среди форм духовной музыки можно выделить мессы, мотеты, кантаты, токкаты и пр. Среди всего разнообразия жанров в эпоху барокко особо выделялась опера. Музыка была по большей части инструментальной.

Относительно хронологии, существует музыка раннего барокко, зрелого барокко и позднего.

Еще одной отличительной особенностью было то, что порой тональность у композиторов была смешанной, то есть на первый взгляд сложно было отличить мажор от минора.

Зрелое барокко, как правило, связано с фокусированием творцов на гармонии. Мало того, композиторы пытались разработать новые системы музыкального обучения. При дворе получили широкое распространение увертюры и балетная музыка.

Следует отметить, что многие тенденции данного периода оказали существенное влияние на более позднюю музыку, причем не только на эпоху классицизма, но и заложили некие основы, которые изучаются и используются и поныне. Кстати, одно время довольно популярным было «необарокко», которое, по сути,  являлось попыткой воссоздать полифонический звук того времени.

Да только время не вернуть вспять – второй подобной эпохи уже не будет. Остается лишь наслаждаться тем, что было создано столетия назад и помнить о вкладе гениев того периода в историю музыки.

Картинка к сообщению Музыкальная культура барокко

Музыкальная культура барокко

Популярные сегодня темы

  • Творчество художника Пластов

    Известный советский художник Аркадий Пластов родился в русской глубинке. Он получил духовное образование. Но жажда рисовать победила, и несостоявшийся священник, не окончив последний курс сем

  • Храм Святой Софии

    Храм Святой Софии расположен в Салониках, в Греции. Крестово купольный католический храм имени Святой Софии подчиняется Константинопольскому патриаршеству и христианской церкви

  • О профессии Агроном

    Перечень профессий, так или иначе имеющих отношение к биологии, достаточно большой и, к тому же, постоянно увеличивается. В рамках этого доклада будет рассмотрена лишь одна профессия.

  • Кит

    Кит – это морское млекопитающее, которое относится к семейству китообразных. Киты обитают в океанах и морях всего мира, предпочитая холодные воды. Они являются самыми крупными животными на Зе

  • Всемирное наследие

    За 21 век нашей эры человечество создало немало удивительных и ценных вещей. По всему миру в разных уголках можно найти следы истории. Это могут быть старинные памятники архитектуры, остатк

  • История компьютера

    В современном мире компьютеры используются постоянно, и на работе, и в быту. Сейчас сложно представить человека, не имеющего компьютера или хотя бы элементарных знаний по его использованию. О

Доклад-сообщение Музыкальная культура барокко

Частное образование учреждение

Среднего профессионального образования

Московский городской открытый колледж

Доклад на тему:

«Развитие музыки в период барокко»

Выполнила:

Преподаватель по специализации: Сольное пение

Каяниди Лилия Данииловна

Москва

2017

Содержание

Введение        3

Происхождение термина «барокко»        4

Особенности музыкального барокко        5

Музыкальная эстетика барокко        5

Выводы        8

Список литературы        9

Введение

Известно, что в истории культуры, каждая эпоха представляет собой переплетение различных процессов по-разному отражающих ее сущность и действительность. Ярким примером этому служит эпоха барокко.

Барокко – это европейская культура XVII – XVIII вв., которая постепенно заменила ренессанс. Основными характеристиками барокко являются контрастность, стремление к величию и роскоши, динамичность образов и напряженность, совмещение реальности и иллюзии, стремление к слиянию и одновременно – тенденция к автономии отдельных жанров.

Барокко появилось в Италии (Флоренция, Венеция, Рим) в XVII в. на фоне кризиса идеи ренессанса. Эпоху барокко принято считать началом насаждения основ «западной цивилизации» в мире, она во многом предопределила динамику формирования культур других эпох. Стиль барокко, по мере своего распространения, становится популярным и на Западе и в России.

Сама Италия в этот период утрачивает экономическое и политическое значение и становится разобщенной полуколонией, вместе с тем продолжая быть культурным центром Европы. Постепенно, в силу этих социально-экономических причин, начинает рождаться новый стиль, первая задача которого было создание иллюзии богатства и могущества, возвышение католической церкви и итальянской знати, которое кроме культурных рычагов влияния не имели ничего.

В то же время рассматривать эпоху барокко исключительно как время перехода от Возрождения к Просвещению не верно. Барокко представляет собой самостоятельную фазу в развитии искусства и причинами ее появления являются не только экономические и политические проблемы Италии. Тем более что барокко, хотя и появилось в Италии, очень быстро распространилось по всей Европе. Потому как отражало настроения всего европейского общества,но было различным в разных европейских странах.

Идеологической основой распространения барокко в Европе стало общее ослабление духовной культуры, раскол церкви – как следствие падение ее авторитета, борьба учений, которые отражали интересы различных классов. В это же время усиливается роль институтов государства, обостряется борьба светских и религиозных начал. Бурно развиваются естественные науки – оптика, физика, термодинамика и география, а значит, появляются предпосылки для появления барокко – отвержения души антропоцентризма и ренессанса в целом в пользу просвещения и разума.

Происхождение термина «барокко»

Слово «барокко» предположительно происходит от португальского «perolabarroca» – жемчужина или морская раковина причудливой формы; или от лат. baroco–как и похожие латинские слова «Barlocco»или «Brillocco»также использовались в схожем значении – жемчужина необычной формы, не имеющая оси симметрии. Изобразительное искусство и архитектура этого периода характеризовалась весьма вычурными формами, сложностью, пышностью и динамикой. Позже это же слово стало применяться и к музыке того времени.

К музыке термин «барокко» первый раз применяется в 1746 г. французским критиком и писателем Н. А. Плюшем. Позже этот термин фигурирует в «Музыкальном словаре» (1768 г.) Ж.-Ж. Руссо. Каждый из них под словом «барокко» подразумевает «странную», «необычную», «причудливую» музыку доклассической эпохи. В «Музыкальном словаре» Х.Коха (1802 г.) слову barock сопутствуют такие качества музыки как «спутанность», «высокопарность», «варварская готика». Гораздо позже Б. Кроче в «Истории итальянского барокко» (1929 г.) утверждает, что «историк не может оценивать барокко как нечто позитивное; это чисто отрицательное явление… это выражение дурного вкуса».

Следует заметить, что термин «барокко» как обозначение музыкальной эпохи используется относительно недавно. Впервые его применил музыковед Курт Заксв 1919 г., затем термин появился лишь в 1940 г. в статье Манфреда Букофцера.  До самых 1960-х г. в академических кругах не утихал спор, правомочно ли применение единого термина к сочинениям таких разных композиторов, как ЯкопоПериАнтонио Вивальди,К. Монтеверди,Ж.-Б. ЛюллиДоменико Скарлатти и И.С. Бах, но слово прижилось и сейчас повсеместно используется для обозначения широкого спектра музыки. Однако необходимо отличать музыку эпохи барокко от предшествующего ренессанса и последующего классицизма. Кроме того, некоторые музыковеды считают, что необходимо разделять барокко на непосредственно период барокко и на период маньеризма, в целях согласования с разделением, применяемым в изобразительных искусствах.

Сочинительские и исполнительские приемы периода барокко стали неотъемлемой и немалой частью музыкального классического канона. Произведения того времени широко исполняются и изучаются. В эпоху барокко родились такие произведения, как фуги Иоганна Себастьяна Баха, хор «Аллилуйя» из оратории «Мессия» Георга Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди, «Вечерня» Клаудио Монтеверди. Музыкальный орнамент стал весьма изощренным, сильно изменилась музыкальная нотация, развились способы игры на инструментах. Расширились рамки жанров, выросла сложность исполнения музыкальных произведений, появился такой вид сочинений, как опера. Большое число музыкальных терминов и концепций барокко используются до сих пор.

Особенности музыкального барокко

Основные инструменты музыки барокко – виола, лютня, барочная гитара и барочная скрипка.

Основные значимые моменты в истории музыки барокко – создание оперы в Италии, оратории (раскрытие музыкальными средствами драматического содержания), а также кантаты и сонаты.

Основной лейтмотив инструментальной музыки – создание инструментальных ансамблей с ведущей ролью скрипки. Также развивается жанр сюиты.

Исторически музыку барокко делят на:

– музыку раннего барокко – 1600 – 1654 гг. (основной представитель – Клаудио Монтеверди; характерные черты – переходный период от музыки ренессанса);

– музыка зрелого барокко – 1654 – 1707 гг. (представители – Жан Батист Люлли, Арканджело Карелли, отличается от раннего, распространением нового стиля, усилением разделения музыкальных форм, особенно в опере);

– и музыку позднего барокко – 1707 – 176 гг. (представители Антонио Вивальди, Иоганн Бах.Характерные черты – переход к музыке классицизма).

Музыка Барокко развивалась в Италии, Германии, Испании, Португалии, Франции и Австрии и была своего рода переходной моделью от музыки возрождения к музыке классицизма. Основные события этого периода – создание оперы, оратории, кантаты, сонаты сюиты.

Музыкальная эстетика барокко

Для музыкального барокко характерны повышенный интерес к диссонансам и дисгармонии как в широком, так и в узком их понимании, отказ от нормативности, формальной правильности, пропорциональности. В.П. Шестаков в своем труде «От этоса к аффекту» процитировал некоторые теоретические высказывания современников XVII в., чтобарокко в те времена было не только художественной практикой, но и эстетической теорией, изучающей современную для той эпохи музыку как специфический вид искусства, анализирующий законы художественного творчества и конкретных музыкальных закономерностей.

Например, В.П. Шестаков приводит высказывание известного итальянского композитора Марко Гальяно, примыкавшего к флорентийскому кружку Барди-Корси. В предисловии к одному из своих сборников мотетов Гальяно высказал характерную для эстетикибарокко мысль. Он утверждал правомерность «неправильных красот», которые, по его словам, могут возникнуть в музыке от нарочитого несоблюдения правил. «Случается, – пишет Гальяно, – что от несоблюдения правил в произведении могут возникнуть немалые красоты, … и их можно понять только на основе опыта». Отстаивая красоту «неправильности», Гальяно выражал один из главных эстетических принциповбарокко.

Защищал принципыбарокко и итальянский композитор Клаудио Монтеверди, который не только доказывал в своих теоретических выступлениях необходимость «взволнованного» стиля для выражения сильных страстей, но и блестяще воплотил эти идеи в творчестве. Как известно, Монтеверди наметил своим творчеством путь превращения оперы в драматическое и психологически–выразительное искусство. Его оперы – «Орфей», «Ариадна», «Коронация Поппеи» – вершина итальянского оперного искусства XVII в. В операх Монтеверди проявились характерные принципы эстетикибарокко: контрасты реальности и фантастики, возвышенного и обыденного, героики и быта.

В книге В.П. Шестакова описано, как современник Монтеверди, теоретик Дж. Артузи, резко выступал против новаторского искусства композитора. В своей книге «О несовершенстве современной музыки» (1600 г.) он упрекал Монтеверди в нарушении правил композиции. Артузи писал, что вмадригала Монтеверди «пестрота звучаний, смешение голосов, шум гармоний невыносим для слуха … Автор совершенно не принимает во внимание нормы музыки …».

В ответе, опубликованном в пятой книге мадригалов, Монтеверди полемизируя с Артузи, обосновывает свободу композитора от «школьных» правил и объявляет «истину» единственным критерием и целью творчества. «В отношение консонансов и диссонансов, – пишет Монтеверди, – есть высшие соображения, чем те, которые содержаться в школьных правилах, и эти соображения оправданы удовлетворением, которое музыка доставляет как слуху, так и здравому смыслу».

Монтеверди считает себя создателем «взволнованного» стиля, в противоположность «умеренному» и «мягкому» стилю древних и предшествующих композиторов. Он первый, по существу, выявил огромные драматические возможности оперной музыки.

Также Т. Ливанова отмечает, что в XVII и начале XVIII в. существовало немало музыкальных произведений, стилевая природа которых не вполне ясна. Сонаты типа Корелли – чистое барокко или нет? Органная и клавирная музыка Пахельбеля – уже не бароккоили еще не классицизм? Пьесы французских клавесинистов до Ф. Куперена – классицизм или предвестие рококо? Таким вопросам нет числа. Все это союз стилевых направлений, с сочетанием различных стилевых элементов в музыке XVII в.

Поэтому отождествлять XVII в. только сбарокконеверно. Подобная точка зрения уже устарела. Удивительное многообразие творческих проявлений невозможно принимать однозначно такое определение. Стиль барокко, как стиль экспрессивный, драматичный, с характерными образными контрастами и нарушением гармоничности мировосприятия в значительной мере проявился в области музыки. Но далеко не все в ней развивалось в образной системе стиля барокко. Например, во Франции при Люллисложился стиль классицизма. Для Монтеверди характерны реалистические тенденции в оперном жанре. Искусство И.С. Баха разрывает рамки стилевой системы барокко и образует собственный индивидуальный стиль.

Таким образом, одновременно с барокко в музыке XVII в. сосуществуют эти названные стилевые разновидности и художественные тенденции. Такая разнородность может быть обусловлена тем, что эпоха во много переходная (от Возрождения к Просвещению) и потому изобилует творческими исканиями. Возможно, правильным будет утверждение Т. Ливановой, которая считает, что музыка XVII в. вообще «не поддается единому стилевому определению».

Российские искусствоведы и литературоведы объединившись в своих взглядах, признавали существование в музыкальном искусстве XVII в. стилей барокко, и классицизма, при этом уточняя, правда, что стиль барокко в отдельных родах искусства и ряде европейских стран (в Италии, Германии) сказывался более влиятельным, нежели стиль классицизма. Последний же более характерен для французской музыки XVII в. Элементы барокко в некоторой степени проникали тогда во французское искусство, но их роль не была решающей. Классицизм для музыки не был тогда особенно длительным – примерно четверть столетия.

Известно, что в истории западноевропейской музыки обычно различают два пути развития музыкальных жанров и принципов письма: путь более традиционного и академического искусства полифонических форм, ведущий от органных канцон, личеркар, фантазий к творчеству И.С. Баха, и путь более молодого искусства – гомофонного, связанного с танцевальной культурой XVI в., испытавшего влияние вокальной музыки и прошедшего развитие от сюит, сонат и концертов Корелли-Тартини-Вивальди к классическому симфонизму.

При всей своей отчетливости эти линии не совпадают с границами художественных стилей, как это порой преподносят некоторые зарубежные исследователи. Нельзя сказать, что полифония развивалась в связи с одним стилем, а гомофония по преимуществу с другим, или одни жанры становились характерными для барокко, другие – для классицизма.

Между тем в научной литературе это вызывало путаницу и противоречия. Отождествляя XVII в. с эпохой барокко, его то именуют «эпохой генерал-баса», подчеркивая гомофонные тенденции, то заодно с  И.С. Бахом – представляют как период господства полифонических жанров и принципов письма.

Таким образом, старое в барокко постоянно сосуществует с новым, во всех музыкальных жанрах присутствуют старые и новые явления.

Развитие полифонической и гомофонной «линий» в истории музыки не имеют точного совпадения с временными рамками стилевых направлений XVII в. Каждый из стилей не ограничивается использованием средств полифонического, либо только гомофонического приемов письма.

Выводы

Сущность эстетики барокко заключается в том, что в эту эпоху изменилась утвердившееся в античности представление о мире, как о разумном и постоянном единстве, а также ренессансное представление о человеке, как о разумнейшем существе. Человек перестал ощущать себя «разумнейшим существом» напротив, он, сомневается в своей разумности. В эстетике барокко прекрасным считалосьто, что было безобразным,например, в эпоху ренессанса. В то же время, барокко начинает отвергать авторитеты и традиции не сами по себе, а как отжившую субстанцию. Для барокко важно не механическое отторжение всего связанного с античностью и возрождением, а новые формы для познания прекрасного, окружающего мира, разума. В эпоху ренессанса во главе был человек. Деятели барокко считали, что он достаточно изучен и предпочитали говорить о разуме, отвергая духовную составляющую. В этих тенденциях, суть, основа для понимания эстетики барокко.

Таким образом, можно выделить сущность барокко как художественное направление. Оно отражает кризисную концепцию мира и личности. Художественная концепция барокко гуманистически ориентирована, однако социально пессимистична: в ней присутствуют сомнения в возможностях человека, ощущения тщетности бытия и обреченности добра на поражение в борьбе со злом.

Основными принципами, особенностью, специфическими чертами барокко, по сравнению с другими культурами являются: повышенная эмоциональность; явный динамизм; эмоциональность, контрастность образов; больше значение придается иррациональным эффектам и элементам. Эти черты наиболее ярко проявлялись в музыке и искусстве в разных европейских странах.

Развитие музыкальной культуры Италии, Франции, Англии и Германии XVII в. демонстрирует, с одной стороны, несинхронность своего движения, обусловленную национальными особенностями развития каждой из стран; с другой – служит примером проявления общих для эпохи тенденций: развития и взаимодействия барочных и классицистических стилевых систем, проявления реалистических тенденций внутри барокко, а также создания индивидуальных композиторских стилей, не индивидуальных композиторских стилей, не вписывающихся в полной мере в существующие нормы и рамки.

Тенденции, определившиеся в искусстве XVII в., найдут свое продолжение и развитие в последующем времени и станут предвестниками века XVIII.

Список литературы:

  1. Бореев Ю.Б. Эстетика – М.; Феникс, 2006. – 290 с.
  2. Вельфлин Х. Ренессанс и барокко. М.: Познание, 1989. – 340 с.
  3. Вейс Г. История культуры народов мира. М.: Эксмо, 2005. _ 560 с.
  4. Виноградов М.А. Барокко – жемчужина неправильной культуры XVII века. М.: Эдельвейс, 1999. – 158 с.
  5. Владимирова С.А. Эстетика барокко: причины появления, происхождение термина. М.: Гардарика, 1994. – 203 с.
  6. Краткий словарь по эстетике.–М., 1983
  7. Ливанова Т.Н. Западноевропейская музыка XVII-XVIII веков в ряду искусств. – М., 1977.–528 с.9 с.
  8. Ливанова Т. История западноевропейской музыки до 1789 года. Т.1 по XVIII век. –  М.: Музыка, 1983. – 65
  9. Лобанова М. Западноевропейское музыкальноебарокко: проблемы эстетики и поэтики.–М.,1994–320 с.
  10. Музыкальный энциклопедический словарь. М., 1990
  11. Ролан Р. Музыкально-историческое наследие.–Вып. 2 Опера в XVII в. в Италии, Франции, Германии, Англии. Гендель.–М.,1987
  12. Офицеров С.А. Диалогическая культура эпохи барокко – М.: Книжная лавка, 1997 – 206 с.
  13. Скребков С. Художественные принципы музыкальных стилей. // Музыка и современность. Вып. 3–М.,1965– с. 3-31
  14. Шестаков В.П. От этоса к аффекту. История музыкальной эстетики от античности до XVIII в.–М., 1975.–351 с.

Обновлено: 04.05.2023

Известно, что в истории культуры, каждая эпоха представляет собой переплетение различных процессов по-разному отражающих ее сущность и действительность. Ярким примером этому служит эпоха барокко.

Барокко – это европейская культура XVII – XVIII вв., которая постепенно заменила ренессанс . Основными характеристиками барокко являются контрастность, стремление к величию и роскоши, динамичность образов и напряженность, совмещение реальности и иллюзии, стремление к слиянию и одновременно – тенденция к автономии отдельных жанров.

Сама Италия в этот период утрачивает экономическое и политическое значение и становится разобщенной полуколонией, вместе с тем продолжая быть культурным центром Европы. Постепенно, в силу этих социально-экономических причин, начинает рождаться новый стиль, первая задача которого было создание иллюзии богатства и могущества, возвышение католической церкви и итальянской знати, которое кроме культурных рычагов влияния не имели ничего.

В то же время рассматривать эпоху барокко исключительно как время перехода от Возрождения к Просвещению не верно. Барокко представляет собой самостоятельную фазу в развитии искусства и причинами ее появления являются не только экономические и политические пр облемы Италии. Тем более что барокко, хотя и появилось в Италии, очень быстро распространилось по всей Европе. Потому как отражало настроения всего европейского общества,но было различным в разных европейских странах.

Идеологической основой распространения барокко в Европе стало общее ослабление духовной культуры, раскол церкви – как следствие падение ее авторитета, борьба учений, которые отражали интересы различных классов. В это же время усиливается роль институтов государства, обостряется борьба светских и религиозных начал. Бурно развиваются естественные науки – оптика, физика, термодинамика и география, а значит, появляются предпосылки для появления барокко – отвержения души антропоцентризма и ренессанса в целом в пользу просвещения и разума.

Особенности музыкального барокко

Основные инструменты музыки барокко – виола, лютня, барочная гитара и барочная скрипка.

Основные значимые моменты в истории музыки барокко – создание оперы в Италии, оратории (раскрытие музыкальными средствами драматического содержания), а также кантаты и сонаты.

Основной лейтмотив инструментальной музыки – создание инструментальных ансамблей с ведущей ролью скрипки. Также развивается жанр сюиты.

Исторически музыку барокко делят на:

– музыку раннего барокко – 1600 – 1654 гг. (основной представитель – Клаудио Монтеверди; характерные черты – переходный период от музыки ренессанса);

– музыка зрелого барокко – 1654 – 1707 гг. (представители – Жан Батист Люлли, Арканджело Карелли, отличается от раннего, распространением нового стиля, усилением разделения музыкальных форм, особенно в опере);

– и музыку позднего барокко – 1707 – 176 гг. (представители Антонио Вивальди, Иоганн Бах.Характерные черты – переход к музыке классицизма).

Музыка Барокко развивалась в Италии, Германии, Испании, Португалии, Франции и Австрии и была своего рода переходной моделью от музыки возрождения к музыке классицизма. Основные события этого периода – создание оперы, оратории, кантаты, сонаты сюиты.

Музыкальная эстетика барокко

Также Т. Ливанова отмечает, что в XVII и начале XVIII в. существовало немало музыкальных произведений, стилевая природа которых не вполне ясна. Сонаты типа Корелли – чистое барокко или нет? Органная и клавирная музыка Пахельбеля – уже не бароккоили еще не классицизм? Пьесы французских клавесинистов до Ф. Куперена – классицизм или предвестие рококо? Таким вопросам нет числа. Все это союз стилевых направлений, с сочетанием различных стилевых элементов в музыке XVII в.

Поэтому отождествлять XVII в. только сбарокконеверно. Подобная точка зрения уже устарела. Удивительное многообразие творческих проявлений невозможно принимать однозначно такое определение. Стиль барокко, как стиль экспрессивный, драматичный, с характерными образными контрастами и нарушением гармоничности мировосприятия в значительной мере проявился в области музыки. Но далеко не все в ней развивалось в образной системе стиля барокко. Например, во Франции при Люллисложился стиль классицизма. Для Монтеверди характерны реалистические тенденции в оперном жанре. Искусство И.С. Баха разрывает рамки стилевой системы барокко и образует собственный индивидуальный стиль.

Российские искусствоведы и литературоведы объединившись в своих взглядах, признавали существование в музыкальном искусстве XVII в. стилей барокко, и классицизма, при этом уточняя, правда, что стиль барокко в отдельных родах искусства и ряде европейских стран (в Италии, Германии) сказывался более влиятельным, нежели стиль классицизма. Последний же более характерен для французской музыки XVII в. Элементы барокко в некоторой степени проникали тогда во французское искусство, но их роль не была решающей. Классицизм для музыки не был тогда особенно длительным – примерно четверть столетия.

Известно, что в истории западноевропейской музыки обычно различают два пути развития музыкальных жанров и принципов письма: путь более традиционного и академического искусства полифонических форм, ведущий от органных канцон, личеркар, фантазий к творчеству И.С. Баха, и путь более молодого искусства – гомофонного, связанного с танцевальной культурой XVI в., испытавшего влияние вокальной музыки и прошедшего развитие от сюит, сонат и концертов Корелли-Тартини-Вивальди к классическому симфонизму.

При всей своей отчетливости эти линии не совпадают с границами художественных стилей, как это порой преподносят некоторые зарубежные исследователи. Нельзя сказать, что полифония развивалась в связи с одним стилем, а гомофония по преимуществу с другим, или одни жанры становились характерными для барокко, другие – для классицизма.

Таким образом, старое в барокко постоянно сосуществует с новым, во всех музыкальных жанрах присутствуют старые и новые явления.

Таким образом, можно выделить сущность барокко как художественное направление. Оно отражает кризисную концепцию мира и личности. Художественная концепция барокко гуманистически ориентирована, однако социально пессимистична: в ней присутствуют сомнения в возможностях человека, ощущения тщетности бытия и обреченности добра на поражение в борьбе со злом.

Основными принципами, особенностью, специфическими чертами барокко, по сравнению с другими культурами являются: повышенная эмоциональность; явный динамизм; эмоциональность, контрастность образов; больше значение придается иррациональным эффектам и элементам. Эти черты наиболее ярко проявлялись в музыке и искусстве в разных европейских странах.

Развитие музыкальной культуры Италии, Франции, Англии и Германии XVII в. демонстрирует, с одной стороны, несинхронность своего движения, обусловленную национальными особенностями развития каждой из стран; с другой – служит примером проявления общих для эпохи тенденций: развития и взаимодействия барочных и классицистических стилевых систем, проявления реалистических тенденций внутри барокко, а также создания индивидуальных композиторских стилей, не индивидуальных композиторских стилей, не вписывающихся в полной мере в существующие нормы и рамки.

Тенденции, определившиеся в искусстве XVII в., найдут свое продолжение и развитие в последующем времени и станут предвестниками века XVIII.

2. Отличительные особенности музыки в эпоху барокко.

3. Этапы развития музыки в период барокко.

4. Великие композиторы и их творения эпохи барокко.

6. Список литературы.

1. Введение.

Так, в монументальной живописи и скульптуре наблюдается тенденция к подчинению архитектуре, к слиянию с ней в одно гармоничное целое. Зодчество, в свою очередь, больше не стремится к строгой и точной внешней форме, напротив, приобретает новую пластичность и гибкость. Оно влияет и на экстерьер и на интерьер, даруя им новые выразительные черты.

В едином ансамбле с архитектурой теперь находится и садово-парковая культура, которая создаёт впечатление её неотъемлемого элемента архитектурного ансамбля, выступая в роли своеобразной декорации. Живописцы теперь стремятся придать своим творениям декоративность, а живописные элементы распространились и на предметы мебели. Украшая стены, купола, плафоны, живопись способствует созданию иллюзии бесконечного и неделимого пространства.

В архитектуре целью барокко оказывается организация единого пространства. К чему бы ни обратились: к загородным виллам, городским площадям, садовым террасам, фонтанам и т.д. – все они являются воплощением органичного и целостного архитектурного замысла.

Все эти проявления не случайны. Барокко явилось отражением идеологических особенностей общества XVI века. В этот период вершители судеб, находившиеся на верхушках власти и светской и церковной, стремились всеми доступными средствами обозначить собственное могущество, в том числе и с помощью искусства, подчёркивая причудливыми живописными деталями и необъятными архитектурными ансамблями не только свою силу, но и, якобы, божественное происхождение. Поэтому художники эпохи барокко проявляют излишнюю эмоциональность, драматичность, натуралистичность, насыщают свои произведения обилием второстепенных деталей.

Храмы и церкви в стиле барокко, которые действительно способны поразить воображение, прославляли не только Бога и Его всемогущество, но и служителей культа, что самым непосредственным образом воздействовало на внутренний мир человека. Таким образом, в эстетике барокко закреплялись такие проявления, как: мистицизм, экзальтация, иррационализм, репрезентативность, монументальность, многоплановость, стремление к дематериализации, драматический накал чувств, трагизм. Они были необходимы обществу для приобщения к трансцендентному бытию,

Итак, основными чертами барокко следует считать: пышность, монументальность, причудливость, богатство оформления, диковинность орнаментики, отказ от плоских линий и плоских форм, тенденция к усложнённости. Имела свои особенности и музыка барокко, о чём речь пойдёт ниже.

2. Отличительные особенности музыки в эпоху барокко.

Музыка барокко отличается своей уникальной спецификой. Это не только рождение новых жанров и форм (опера, концерт, пассион, кантата, партита, сюита, токката, прелюдия, фуга, concerto grosso), но и обновление музыкального языка. Возникает гомофонный стиль музыкального письма, суть которого заключалась в разделении звучания на главный голос и побочные, сопровождающие звуки.

Барокко породило такой вид музицирования в инструментальной музыки, как импровизация (хотя предпосылки к этому существовали и в предыдущую эпоху). Основой для этого послужила практика использования остинатного (постоянного) баса, на фоне которого талантливым исполнителям легко было обыгрывать основную мелодию, сочинять новые ходы. Вокальная музыка характеризуется обилием мелизмов. Другие особенности вокального искусства барокко – аффекты, риторические фигуры. Риторика – красноречие в слове – преломилось и музыке. Так появилось музыкальное красноречие. В период барокко основное положение занимали фигуры речи, появление которых определялось содержанием написанного. Отсюда тенденция к драматизму, мелодекламации, различным эффектам. Достижение вокальной музыки барокко – расцвет школы bel canto (прекрасное пение).

Творцы эпохи барокко демонстрируют человеку его малость в огромном мире, как бы указывая на его мимолётность. Проще всего продемонстрировать это было посредством масштаба, потому их произведения отличаются грандиозностью и величием.

Поэтому в барочном мире музыкальные произведения разрастаются до невероятных размеров: появляются оперы, представления которых длятся больше четырёх часов. Публика привыкает слушать огромные многочасовые оратории, в пять-шесть раз удлиняются инструментальные пьесы.

Но размером поразить не так уж трудно. Труднее создать нечто неожиданное, непредсказуемое. Для этого в музыке существует незаменимое средство – импровизация.

Каждый музыкант был обязан варьировать музыку разными способами. Во-первых, это относилось различного рода к повторениям: нельзя было дважды сыграть отрывок, не добавляя при этом что-то своё.

Во-вторых, использовались мелизмы. Формально существовали некоторые правила их употребления, но фактически каждый музыкант играл их самыми разными способами.

В-третьих, играть дополнительные ноты полагалось на долгих звуках. В-четвёртых, эти ноты обязательно нужно было играть и в концах фраз, на ферматах. Перечисление этих правил напоминает правила имитационной полифонии. В музыке XVII – XVIII веков также сложилась фуга.

Также в этот период окончательно сложилась система ладов – с минорным и мажорным ладами. Важной приметой эпохи является и цифрованный бас. Под басом писались функции: T3, D7 и т.д. Эпоха барокко замечательна в истории музыки ещё и тем, что в ней за полтора столетия очень изменился набор музыкальных инструментов. Разумеется, всё это повлияло и на вокальное искусство.

3. Этапы развития музыки в период барокко.

Барочная музыка развивалась поэтапно. Выделяют несколько основных этапов: раннее барокко (1600 – 1654), зрелое барокко (1654—1707), позднее барокко (1707—1760). Ранний период начинается с творчества итальянского композитора Клаудио Монтеверди (1567—1643), его достижений в области оперного искусства. Однако считать зачинателем нового жанра следует композитора Якопо Пери (1561 – 1633). Деятельность К. Монтеверди стала толчком для дальнейшего широкого распространения оперы; он усовершенствовал этот жанр.

Раннее барокко характеризуется усложнением музыкального мышления языка, основным элементом которого становится не только полифония, но и гармония. Значительным явлением стало возникновение цифрованного баса (basso continuo). Происходят открытия в области инструментовки (творчество композитора Дж. Габриэля, 1555 – 1612). Всё более ощутимым делается конфликт между духовной и светской музыкой. Значимость светской музыки активно утверждал К. Монтеверди.

Зрелое барокко – это торжество придворной музыки. Начинает расцветать камерный стиль, чему способствует расширение инструментария, его доступность широким социальным слоям. Увеличивается также и зрительская аудитория, более активным становится обмен музыкальным опытом.

Всё большее значение приобретает теория музыки, в связи с чем, происходит множество удачных попыток систематизировать её. В центре композиторского внимания оказывается гармония.

Период позднего барокко отмечен утверждением тональности, как элемента, образующего центр музыкального сочинения. Усиливается и значение контрапункта. В целом, музыка начинает развиваться по двум основным направлениям – полифоническому и гомофонному. Композиторов интересует и то, и другое.

Как уже говорилось, центром музыкальной жизни являлась Италия. Возникшие в ней традиции влияли на развитие музыки в других европейских странах, где возникали те же стили и формы. В результате произошло следующее: европейская музыка начала приобретать сходное (барочное) звучание, лишаясь национальных оттенков. Гораздо большее значение приобрели композиторские стили (например, стиль Ф. Генделя и стиль А. Вивальди). Несмотря на то, что музыка и немецкого, и итальянского композитора имеет общую стилистику, свойственную эпохе барокко, их почерки вполне различимы. Но различие это базируется не на национальных оттенках, а на авторской манере. Таким образом, эпоха барокко выдвигает на авансцену авторскую индивидуальность.

4. Великие композиторы и их творения эпохи барокко.

А. Корелли – крупнейший итальянский композитор, педагог и скрипач; зачинатель итальянской скрипичной школы. Он служил при дворе шведской королевы и первые свои произведения (12 церковных трио-сонат) посвятил именно ей. В дальнейшем композитор перешёл на службу к кардиналу.

А. Корелли писал камерную музыку: сонаты, концерты, concerti grossi. В жанре сонаты он сочинял и духовную музыку (трио-сонаты). Но более всего он прославился благодаря своим великолепным concerti grossi.

Д. Скарлатти проявил себя в области фортепианной музыки. Среди его заслуг – создание виртуозного клавесинного стиля с пассажами, перекрещиванием рук, ломаными аккордами и скачками. Его композиторское наследие действительно обширно: это два десятка опер, кантаты и оратории, сонаты и мессы. Но на долгие годы оно было незаслуженно забыто. Сегодня интерес к творчеству Д. Скарлатти вновь возродился.

Германия подарила миру трёх гениев: И. С. Баха (1685 – 1750), Ф. Г. Генделя (1685 – 1759), Г. Ф. Телемана (1681 – 1767). Бах был мульти инструменталистом, певцом и, конечно, величайшим композитором. Как и многие другие, служил при дворе, что не мешало создавать ему непревзойдённые шедевры (Токката и фуга ре минор, Токката до мажор, Прелюдии и фуги до минор и фа минор, Пассакалия до минор и др.). Музыка И. С. Баха сопоставима с Космосом по своей глубине, мощи и философской мысли. Таковы и духовные его сочинения.

Творчество великого немецкого композитора Ф. Г. Генделя охватывает, чуть ли не все существующие на то время жанры. Он сыграл огромную роль в развитии сoncerto grosso. Гений этого композитора реализовался также в операх и ораториях. Музыка Ф. Г. Генделя поражает слушателя глубиной мысли, мощью образов. Сам Гендель признавался в том, что не желал бы доставлять слушателям только лишь удовольствие.

Наряду с жанром концерта (для органа) для творчества Генделя, его творческого облика, следует считать concerto grosso (для других инструментов и ансамблей). Concerto grosso Генделя явились вершиной его инструментального творчества. Этот жанр дал ему возможность подчеркнуть различные сольные инструменты в рамках одного произведения.

Ф. Г. Телеман – современник И. С. Баха и Ф. Г. Генделя, находился с ними в дружеских отношениях. При жизни его творчество оценивалось выше их творчества. Ф. Г. Телеман отличался невероятной скоростью письма, поэтому неудивительно, что объём его сочинений впечатляюще велик: сорок с лишним опер, примерно столько же ораторий, два десятка циклов церковных кантат, не менее шестисот оркестровых сюит, семь сотен песен, огромное количество камерно-инструментальной музыки, фуг. К сожалению, сохранилось из всего написанного им немного.

Ж.-Ф. Рамо, в свою очередь, считался французским Орфеем. Его путь в музыке был откровенно тяжёлым. Но несмотря на это, он создал целый ряд выдающихся опер, балетов и опер-балетов. Не менее великолепна его клавесинная музыка. Будучи талантливейшим импровизатором, Ж.-Ф. Рамо оставил для этого инструмента огромное количество разнообразных пьес.

Происходило в период барокко развитие музыкального искусства и в России. В первую очередь, это вокальная духовная музыка. Именно в Древней Руси родился уникальный знаменный распев, аналогов которому в мире нет, и в эпоху барокко его черты преломлялись во многих произведениях.

Русская композиторская школа данного периода красноречиво характеризуется такими именами, как Д.С. Бортнянский (1751 – 1825), М.С. Березовский (1745 – 1777), В.П. Титов (пр.1650 – 1715).

Вернувшись в Россию, композитор создал ряд комических опер, которые были поставлены при дворе. Но наибольший вклад Д.С. Бортнянский внёс в развитие духовной музыки, создав множество прекрасных сочинений.

В целом, эпоха барокко очень много значила для музыкальной культуры России и в первую очередь потому, что в этот период в России возникло и стремительно развилось индивидуальное композиторское творчество. Рождается особый род музыки – партесная музыка, являющаяся сочетанием духовного искусства и концерта. Несмотря на общую тенденцию развития, индивидуальность творчества становится всё более значимой, и к этому стремятся все крупные композиторы. Как и в Европе, наблюдается разделение музыки на церковную и светскую. Таким образом, эпоха барокко оказывается очень важной вехой в развитии музыкальной культуры.

5. Заключение.

Итак, музыка эпохи барокко – это особый период в развитии музыкального искусства, наполненный значимыми событиями и явлениями. В первую очередь, это касается изменения музыкального мышления и языка. Так, наиболее характерным является переход от полифонического принципа при создании музыкальных сочинений к гомофонно-гармоническому принципу. Благодаря этому получает интенсивное развитие искусство импровизации.

Обогащается и образная система музыкального искусства, в котором теперь есть место, как трагическим чувствам и глубокой скорби, так и жизнерадостности, юмору, шутке. Всё больше прав приобретает светская музыка. Ещё одно важное завоевание музыки барокко – это закрепление индивидуального стиля композитора.

В эпоху барокко родилось множество новых жанров и великих композиторов, гениально реализовавших в своей музыке самих себя, которая отличалась сложностью, эмоциональностью, декоративностью, противоречивыми чувствами и некоторой вычурностью. Но в этом и есть её уникальность и неповторимость.

6. Список литературы.

1. Воскобойников В.Н. История мировой и отечественной культуры/В.Н. Воскобойников. – М.: МГУК. 1995. – 288 с.

2. Галацкая В.П. Музыкальная литература зарубежных стран/В.П. Галацкая. – М.: Музыка, 2002. – 356 с.

3. Зейфас Н.М. Concerto grosso в музыке барокко/ Н.М. Зейфас. – М.: Музыка, 1975. – 98 с.

4. Полозова И.В. Музыкальное искусство барокко в России: общее и специфическое/И.В. Полозова//Вестник ПСТГУ, 2018. – Вып.3 (23). – С. 48 – 64.

5. Левик Б.В. История зарубежной музыки. Вторая половина XVIII века/Б.В. Левик. – М.: Музыка, 1980. – 277 с.

6. Ливанова Т.Л. История Западноевропейской музыки до 1789 года. В 2 т. Т. 1. По 18 век / Т.Л.. Ливанова. – М.: Музыка, 1983. – 696 с.

Характеристика музыки барокко, история ее происхождения и развития. Жанровые особенности русской музыки барокко в России. Преобладание сюжетов духовного содержания в патерсных концертах. Основоположники хорового концерта: Березовский, Бортнянский.

Рубрика Музыка
Вид презентация
Язык русский
Дата добавления 31.10.2016
Размер файла 1,7 M

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

HTML-версии работы пока нет.
Cкачать архив работы можно перейдя по ссылке, которая находятся ниже.

Подобные документы

Особенности русской музыки XVIII века. Барокко – эпоха, когда идеи о том, какой должна быть музыка обрели свою форму, эти музыкальные формы не потеряли актуальности и в сегодняшний день. Великие представители и музыкальные работы эпохи барокко.

реферат [22,4 K], добавлен 14.01.2010

Ознакомление с особенностями музыки барокко, правилами ее переходов и контрастов. Рассмотрение музыкального наследия Клаудио Монтеверди, Антонио Вивальди, Вольфганга Амадея Моцарта, Георга Фридриха Генделя. Украшательство, пестрота русского барокко.

презентация [1,4 M], добавлен 18.10.2015

Понятие и история происхождения музыки, этапы ее развития. Жанры и стили музыки. “Лингвистическая” теория происхождения музыки. Становление русской композиторской школы. Отношения музыкантов с государством в советский период. Развитие музыки в России.

реферат [37,2 K], добавлен 21.09.2010

Особенности и направления формирования музыкальной культуры в России в исследуемый исторический период, появление и использование органа, клавикордов, флейты, виолончелей. Путь развития русской многоголосной музыки в эпоху барокко. Концертное пение.

презентация [12,6 M], добавлен 06.10.2014

Использование полифонии и контрапункта в музыке барокко. Яркие композиторы классицизма – великие австрийцы Йозеф Гайдн и Вольфганг Моцарт. Глубокий интерес к человеческой личности, присущий романтической музыке. Экспрессионизм в музыке начала ХХ в.

В презентации “Музыкальное искусство барокко” предназначена для учителей и учащихся 11класса цель научиться различать интонационно-образные, жанровые и стилевые основы музыки эпохи барокко (в рамках изученного на уроке материала)

Содержимое разработки

Автор: Тимошенко Елена Ивановна

учитель МАОУ Озерновская СОШ № 3

Отличительные черты музыки эпохи барокко: 1. Трагическое мироощущение, яркое выражение чувств и эмоций человека; 2. Музыка становится светской; 3. Используется множество украшений – мелизмов; 4. Неожиданные переходы, контрасты и противопоставления; 5. Одновременное звучание множества инструментов, использование танцевальных ритмов; 6. Проникновение стиля барокко в церковную музыку; 7. Ведущий жанр музыки барокко – опера.

Отличительные черты музыки эпохи барокко: 1. Трагическое мироощущение, яркое выражение чувств и эмоций человека; 2. Музыка становится светской; 3. Используется множество украшений – мелизмов; 4. Неожиданные переходы, контрасты и противопоставления; 5. Одновременное звучание множества инструментов, использование танцевальных ритмов; 6. Проникновение стиля барокко в церковную музыку; 7. Ведущий жанр музыки барокко – опера.

Опера как ведущий жанр музыки барокко появившаяся в период позднего ренессанса, стала одной из главных барочных музыкальных форм

Опера как ведущий жанр музыки барокко появившаяся в период позднего ренессанса, стала одной из главных барочных музыкальных форм

Клаудио Монтеверди – блестящий реформатор жанра оперы * ввел в оперу увертюру и дуэт; * стал автором нового стиля – concitato; * использовал ансамбль инструментов (до 70 инструментов в опере); * по его инициативе в 1637 г. в Венеции был открыт первый в мире публичный оперный театр Музыка раннего барокко (1600—1654)

Клаудио Монтеверди – блестящий реформатор жанра оперы

* ввел в оперу увертюру и дуэт; * стал автором нового стиля – concitato; * использовал ансамбль инструментов (до 70 инструментов в опере); * по его инициативе в 1637 г. в Венеции был открыт первый в мире публичный оперный театр

Музыка раннего барокко (1600—1654)

Композитор и скрипач Арканджело Корелли (1653—1713) Известен своей работой над развитием жанра кончерто гроссо. Корелли был одним из первых композиторов, чьи произведения публиковались и исполнялись по всей Европе. Музыка зрелого барокко (1654—1707)

Композитор и скрипач Арканджело Корелли

Известен своей работой над развитием жанра кончерто гроссо. Корелли был одним из первых композиторов, чьи произведения публиковались и исполнялись по всей Европе.

Музыка зрелого барокко

Иоганн Себастьян Бах — немецкий композитор барокко, органист

известных композиторов мира.

  • За свою жизнь Бах написал более 1000 произведений.
  • В его творчестве представлены все значимые жанры того времени, кроме оперы;
  • Обобщил достижения музыкального искусства периода барокко

Известный русский композитор и музыкальный критик А. Н. Серов писал:

АНТОНИО ВИВАЛЬДИ (1678 — 1741)

Весна, часть 1.

(4 марта 1678, Венеция – 28 июля 1741, Вена)

Русская музыка барокко. Отличительные черты. Сочетание западноевропейских и древнерусских музыкальных традиций. Партесные концерты XVII - начала XVIII в. (partes –лат. голоса, т.е. многоголосное пение) Популярность песенных жанров (канты и псалмы). Повышенная экспрессивность, колористическое богатство, виртуозность исполнения, динамические контрасты, преобладание мажорных тональностей

Русская музыка барокко. Отличительные черты.

Дилецкий Николай Павлович

родился в Киеве ок. 1630г.

автор сочинений по теории музыки,

переводчик с польского языка,

регент царского певческого

хора в Москве.

– главный теоретик партесного стиля пения,

Создал композиции на 4, 8, 12 и даже 48 голосов.

Главное требование – передача человеческой души.

Березовский Максим Созонтович (1745—1777) - русский композитор, певец (бас), один из основоположников рус. хоровой классики. Родился 27.X.1745 в Украине в Глухове Черниговской губернии. Муз. образование получил первоначально в хоровой школе в Глухове (осн. в 1739) и Киевской духовной академии, затем в придворной Певческой капелле в Петербурге. В 1764г. был направлен для усовершенствования в Италию, где занимался у Д.Мартини в Болонье. В 1771г. получил диплом академика Болонской филармонической академии. В 1774 г. вернулся в Петербург и был зачислен на службу в придворную Певческую капеллу. Не добившись признания как композитор, лишенный моральной поддержки и испытывая материальную нужду, покончил жизнь самоубийством 2.IV.1777 в Петербурге).

Березовский Максим Созонтович (1745—1777)

– русский композитор, певец (бас),

один из основоположников рус. хоровой классики.

Родился 27.X.1745 в Украине в Глухове Черниговской губернии.

Муз. образование получил первоначально в хоровой школе в Глухове (осн. в 1739) и Киевской духовной академии, затем в придворной Певческой капелле в Петербурге.

В 1764г. был направлен для усовершенствования в Италию, где занимался у Д.Мартини в Болонье.

В 1771г. получил диплом академика Болонской филармонической академии. В 1774 г. вернулся в Петербург и был зачислен на службу в придворную Певческую капеллу.

Не добившись признания как композитор, лишенный моральной поддержки и испытывая материальную нужду, покончил жизнь самоубийством 2.IV.1777 в Петербурге).

Задание: ответить на вопросы: каковы характерные черты русской музыки барокко? Что представляет собой партесные концерты XVII – начала XVIII в.? Почему развитие русской барочной музыки связывают с формированием композиторской школы в России?

Задание: ответить на вопросы: каковы характерные черты русской музыки барокко? Что представляет собой партесные концерты XVII – начала XVIII в.? Почему развитие русской барочной музыки связывают с формированием композиторской школы в России?

-75%

Читайте также:

      

  • Фома аквинский о государстве реферат
  •   

  • Историческое развитие представлений о культуре реферат
  •   

  • Реферат советский исторический роман петр первый а толстого
  •   

  • Авторские права в журналистике реферат
  •   

  • Реферат на тему дисбактериоз

Музыка барокко

«Любая хорошая музыка должна трогать душу»
Клаудио Монтеверди

Эпохой барокко называют примерно 150 лет с начала XVII до середины XVIII века. Этот период сыграл важнейшую роль в развитии музыки. Именно тогда появились настоящие оркестры, родилась опера, получили развитие многие музыкальные термины и концепции, которые живы и по сей день. Слово «барокко» происходит от португальского barroco — так называли жемчужины неправильной формы. Изначально такой термин использовался только для обозначения пышного архитектурного стиля, но к тому времени, когда ученые стали называть так и музыкальный стиль того времени, он утратил негативный оттенок. Широко использоваться для обозначения музыки, написанной в период между Ренессансом и классической эпохой, термин «барокко» стал лишь в XX веке.

Архитектура барокко

Архитектура барокко: геометрическая проекция западного портала собора Святого Павла

В этот период истинный расцвет переживала не только музыка. В литературе творили Шекспир и Сервантес, в живописи — Рембрандт и Рубенс. В Англии работали такие великие архитекторы, как сэр Кристофер Рен, Николас Хоксмур и сэр Джон Ванбру. Именно в это время трудились Галилей и сэр Исаак Ньютон. Эпоха барокко стала золотым веком искусства и науки.

В барочной музыке, как и в музыке Ренессанса, были широко распространены полифония и контрапункт, но использовались эти приемы совершенно иначе. Вместо переплетенных мелодий в барочной музыке появился солирующий голос или инструмент в сопровождении басового голоса. Монтеверди назвал новую технику, появившуюся в конце XVI века, secondo prattica (второй формой) в отличие от primo prattico (первой формы) Ренессанса. Басовый голос многоголосного сочинения получил название basso continuo (непрерывный бас). В basso continuo имелись свои аккорды, которые обозначались цифрами. Сочетание сольного пения с аккомпанементом basso continuo стали называть «монодией» (от греческого слова, обозначающего пение в одиночку).

Между музыкой барокко и Ренессанса существуют и другие различия. В эпоху барокко музыку часто писали певцы и музыканты-виртуозы, поэтому она была очень сложна для исполнения. В барочной музыке широко использовались «украшения» — часто они были импровизацией исполнителя. Музыкальные инструменты стали играть более важную роль. Традиция пения a cappella («в церковной манере»), то есть без инструментального аккомпанемента, начала постепенно уходить в прошлое.

В результате развития монодии появилась опера. Такой метод пения позволял слушателям четко слышать текст, исполняемый певцом-солистом в сопровождении музыкальных инструментов. Солисты получили возможность драматически интерпретировать музыку. Считается, что опера появилась благодаря флорентийской камерате — кружку любителей музыки, поэтов, ученых-гуманистов и профессиональных музыкантов. Эта группа возникла в конце XVI века.

Флорентийская камерата собиралась в доме графа Джованни де Барди. В нее входили композиторы Джулио Каччини и Якопо Пери, а также поэт Оттавио Ринуччини. Все они живо интересовались античным искусством и особенно древнегреческой музыкальной драмой. Результатом совместной работы Каччини, Пери и Ринуччини стала первая настоящая опера «Дафна» (1598). В 1600 году они же сочинили оперу «Эвридика».

Клаудио Монтеверди полагал, что сочетание музыкальной гармонии и текста должно широко использоваться в светской музыке. Он стал одним из самых заметных композиторов своего поколения. В 1607 году он написал оперу «Орфей». «Орфей» послужил важной вехой в истории развития новой музыкальной школы — в этой опере были прекрасно продемонстрированы новые эффекты и приемы.

Для постановки оперы требовалась сцена. В эпоху барокко появились первые залы, построенные специально для этой цели. Первый публичный оперный театр открылся в Венеции в 1638 году. Такие же театры вскоре появились во многих крупных европейских городах. Стоимость постановок была очень высока — требовались декорации, костюмы, спецэффекты. Неудивительно, что билеты стоили очень дорого (некоторые вещи никогда не меняются!) и опера считалась развлечением для элиты.

Светский характер оперы нравился не всем. Католическая церковь не принимала светской музыки, и во время религиозных праздников и постов оперы часто запрещали. Параллельно с оперой развивалась и религиозная музыка в стиле барокко — оратория. К концу эпохи барокко развитие этого жанра достигло апогея. Именно тогда появились «Мессия» Генделя и великолепная оратория «Сотворение мира» Гайдна.

Эпоха барокко дала нам не только оперу, но и оркестр. В этот период активно развивались музыкальные инструменты. Многие известные композиторы и музыканты этого времени работали при королевских дворах Европы и в аристократических семействах. При дворах существовали небольшие музыкальные ансамбли, исполнявшие новые сочинения. Эпоха барокко — период расцвета камерной музыки. Особую популярность приобретали различные музыкальные инструменты, в первую очередь скрипка. Но для исполнения опер небольших ансамблей было мало. Так появились оркестры.

К середине XVIII века сложность и богатство барочной музыки стали терять популярность. В истории музыки начался новый этап — классицизм.

Арканджело Корелли

Арканджело Корелли

Арканджело Корелли, которого современники прозвали Il Divino (Божественный), родился 17 февраля 1653 года в Фузиньяно, близ Болоньи. Он был не только композитором, но и известным скрипачом. Известность к этому итальянскому музыканту пришла в Париже в 1672 году. Хотя мы мало знаем о его юности, известно, что искусству игры на скрипке он учился у Джованни Баттисты Бассани, а композиции — у Маттео Симонелли.

Из Франции Корелли отправился в Германию, где с 1681 года работал при дворе курфюрста Баварии. Через несколько лет он вернулся в Италию. С 1685 по 1689 год Корелли жил в Риме под покровительством изгнанной шведской королевы Кристины и кардинала Пьетро Оттобони, племянника будущего папы римского Александра VIII, избранного на престол в 1689 году. С 1689 по 1690 год Корелли пребывал в Модене, где пользовался покровительством герцога Моденского. Остаток жизни композитор провел в Италии. В 1708 году он отправился в Рим, а затем в Неаполь.

«Имя Арканджело Корелли всегда будет занимать первое место в истории кончерто гроссо». Из книги «История музыки. Том 2: Ренессанс и барокко»

Корелли занимался не только композицией. Он дирижировал исполнением опер, ораторий и других масштабных произведений. В Италии под его руководством исполняли произведения Генделя. Оратория Генделя «Триумф Времени и Разочарования» была впервые исполнена в Риме в 1708 году.

Стиль исполнения Корелли сыграл важнейшую роль в развитии скрипичного искусства. Говорят, что пути всех знаменитых композиторов-скрипачей XVIII века ведут к Арканджело Корелли. Но Корелли использовал малую часть возможностей своего инструмента. Это очевидно по его рукописям: скрипичные партии у него очень редко поднимаются выше ре на первой струне, иногда достигая ми в четвертой позиции. Однажды Корелли отказался играть в увертюре Генделя «Триумф Времени и Разочарования» пассаж, достигавший ля, и глубоко оскорбился, когда композитор, который был моложе его на 32 года, с блеском сыграл эту ноту. Тем не менее, Корелли повлиял не только на итальянских композиторов. Его сочинения изучал Иоганн Себастьян Бах — в 1689 году он написал фугу для органа (BWV 579) на основе опуса 3 Корелли.

Многим обязано Корелли и музыкальное общество Рима. Корелли был вхож в самые высокие аристократические круги. Долгое время он устраивал знаменитые понедельничные концерты во дворце кардинала Оттобони. Будучи скрипачом-виртуозом, Корелли внес огромный вклад в развитие современной техники использования смычка и одним из первых использовал эффект двойных нот. Его сочинения поражают удивительной мелодичностью и искусностью аккомпанемента. Справедливо говорят, что он освободил музыку от строгих правил контрапункта.

Корелли умер 8 января 1713 года, оставив после себя значительное состояние и прекрасную коллекцию произведений искусства. Он похоронен в римском Пантеоне.

Корелли: скрипач-виртуоз, мастер «двойных нот»

Корелли был скрипачом-виртуозом. Его считают создателем приема «двойных нот» — когда две ноты играются одновременно. Именно ему мы обязаны разработкой современной техники использования смычка. Применяя этот прием, скрипач пальцами зажимает две отдельные струны и играет на них смычком одновременно, не переходя от струны к струне.

скрипач

Корелли сыграл важнейшую роль в развитии современной скрипичной техники

В книге Сесила Форсайта «Оркестровка» (Macmillan, 1914, репринт Dover, 1982) изобретение двойных нот приписывается итальянскому композитору, дирижеру и скрипачу эпохи барокко Карло Фарине. Его «Экстравагантное каприччио» (1627) было опубликовано в Дрездене, когда Фарина был скрипачом при саксонском дворе.

На сайте для скрипачей новичков предупреждают о том, что исполнять двойные ноты гораздо сложнее, чем обычные, поскольку нужно точно располагать два пальца на двух струнах одновременно. «Иногда приходится переходить в более высокую позицию, чтобы можно было физически расположить пальцы в нужных местах. Двойными нотами называют также одновременную игру на трех или всех четырех нотах, хотя было бы правильнее назвать такие приемы тройными или четверными».

Скрипач и писатель Клейтон Хэслоп (violinmastery.com) указывает, что исполнение двойных нот требует терпения и дисциплины, «даже готовности терпеть определенный дискомфорт, напоминающий артритные боли». Но наградой исполнителю будет «великолепное и почти уникальное для мира музыки звучание».

«Главная проблема — полностью контролировать руки и слух, — пишет Хэслоп. — Тогда двойные ноты будут красивыми и простыми для исполнителя. И все же это довольно сложный прием — вот почему педагоги пишут массу этюдов для отработки этой техники. Дам вам пару небольших советов. И первый: не следует сильно зажимать струны пальцами; играйте с минимально возможным давлением. Я даже не прижимаю струны к грифу, если не нужно играть фортиссимо».

Генри Перселл

Генри Перселл

Генри Перселл был сыном придворного музыканта, хориста королевской капеллы. Его отец пел на коронации короля Карла II. Точная дата рождения Перселла неизвестна, но считается, что он появился на свет 11 сентября 1659 года в Лондоне. С 1664 года после смерти отца Генри опекал его дядя, тоже хорист Королевской капеллы. Со временем он добился такого же права для племянника.

Перселл учился музыке у Генри Кука, а затем у Пелэма Хамфри. До ломки голоса он пел в хоре, но в 1673 году с пением пришлось расстаться. Тогда Генри назначили помощником Джона Хингсто- на, хранителя музыкальных инструментов короля. После смерти Хамфри в 1674 году Генри продолжил учебу у Джона Блоу и поступил в Вестминстерскую школу. В 1677 году Перселл сменил Мэтью Локка на посту композитора для королевских скрипок. В 1679 году он стал органистом Вестминстерского аббатства после своего учителя Джон Блоу, а через три года сменил Эдварда Лоу в должности органиста королевской капеллы.

Считается, что сочинять музыку Перселл стал в очень раннем возрасте, хотя первое достоверно принадлежащее ему сочинение — это ода, написанная в 1670 году в честь дня рождения короля Карла. В 70-е годы XVII века Перселл много сочинял и для церкви, и для театра — в частности, музыку к «Феодосию» и «Добродетельной жене». Но, став органистом Вестминстерского аббатства, Перселл практически полностью сосредоточился на религиозной музыке, предав анафеме свой прежний интерес к театру.

«Музыка — это ликование поэзии. Оба искусства могут существовать отдельно, но в слиянии своем они достигают совершенства, поскольку ни одно не стремится превзойти другое; они подобны остроумию и красоте, соединившимся в одном человеке». Вступление к «Диоклетиану», 1690

В 1682 году Перселл женился. У него было шестеро детей, но четверо умерли в младенчестве. В то же 1682 году он стал органистом королевской капеллы, оставаясь при этом органистом Вестминстерского аббатства. Он писал музыку для торжественных государственных церемоний — в том числе для коронации короля Якова II в 1685 году. Именно тогда он сочинил два своих самых известных гимна «Возрадовался я» (I Was Glad) и «Излилось из сердца моего слово благое» (My Heart Inditing). Перселл написал музыку для похорон королевы Марии в декабре 1694 года.

Сара Коннолли в роли Дидоны в постановке оперы Перселла «Дидона и Эней» в Королевской опере

Сара Коннолли в роли Дидоны в постановке оперы Перселла «Дидона и Эней» в Королевской опере

В конце 80-х годов XVII века он снова вернулся к крупномасштабной светской музыке. В 1689 году Перселл создал оперу «Дидона и Эней», которая считается одной из первых английских опер. После этого он продолжал сочинять и светскую, и религиозную музыку. В период с 1689 по 1695 год им была написана музыка не менее чем к 42 пьесам.

Генри Перселл умер 21 ноября 1695 года в своем доме в Динз-Ярд в Вестминстере. На его похоронах звучала музыка, написанная для погребения королевы Марии. Могила Перселла находится в Вестминстерском аббатстве, рядом с органом.

«Здесь лежит Генри Перселл, который покинул этот мир и ушел в то блаженное место, где его гармония может быть превзойдена».

Эпитафия Перселла в Вестминстерском аббатстве

Антонио Лючио Вивальди

Антонио Лючио Вивальди

Антонио Лючио Вивальди родился в Венеции 4 марта 1678 года. Он был рыжим, отсюда и его прозвище — Il Prete Rosso, «рыжий священник». Самое популярное сегодня его произведение — «Четыре времени года», четыре скрипичных концерта, написанных в 1723 году, когда Вивальди жил в Риме. Опубликованы эти концерты были два года спустя. Антонио Вивальди, одареннейший скрипач, еще до завершения духовного образования считался настоящим виртуозом.

Отец Антонио, Джованни, был цирюльником, а затем стал профессиональным скрипачом. Это он первым начал учить сына музыке. Джованни являлся также одним из основателей Общества взаимопомощи музыкантов Санта-Чечилия. Президентом общества был Джованни Легренци, музыкант венецианского собора Святого Марка. Вполне возможно, что это он обучал юного Вивальди основам композиции.

В сентябре 1703 года Вивальди был назначен скрипичным мастером венецианской консерватории Оспедале делла Пьета — одного из множества сиротских приютов, где мальчиков обучали ремеслам, а девочек — музыке. Здесь принимали брошенных, но одаренных девочек. Под руководством Вивальди музыкальная репутация консерватории значительно повысилась.

Вивальди работал в консерватории около 30 лет, хотя и не постоянно, поскольку его должность подлежала ежегодной аттестации. В 1709 году он не был избран и целый год пропустил.

В этой консерватории Вивальди написал самые свои известные произведения. В 1716 году он стал музыкальным директором консерватории. Сочинять Вивальди начал в первой декаде XVIII века, но известность в Европе ему принесли двенадцать скрипичных концертов «Гармоническое вдохновение», которые были впервые опубликованы в 1711 году. Вивальди посвятил свои концерты великому герцогу Тосканы Фердинанду III. Фердинанд, известный меценат, очень любил музыку и покровительствовал композиторам, в том числе и Генделю.

Вивальди со скрипкой

Вивальди со скрипкой

Работая в консерватории, Вивальди писал преимущественно религиозную музыку, но сочинял и для венецианской оперы. В то время опера была одним из самых популярных развлечений. Вивальди создавал оперы — его опера «Оттон на вилле» была впервые поставлена в Виченце в 1713 году. Кроме того, он являлся одаренным импресарио и в 1714 году стал сотрудничать с театром Сант-Анджело. За операми Вивальди не забывал и о религиозной музыке. В 1716 году он написал ораторию «Юдифь торжествующая» (Juditha Triumphans) — поводом послужила победа Венеции над турками и возвращение острова Корфу.

В 1717 или 1718 году Вивальди стал придворным музыкантом правителя Мантуи, маркграфа Филиппа фон Гессен-Дармштадтского. За три года, проведенных в Мантуе, он сочинил несколько опер. В 1721 и 1722 годах он побывал в Милане, а в конце 1722 года переехал в Рим. Именно тогда он написал свое самое известное произведение «Четыре времени года» (Le quattro stagioni). Эти концерты были впервые опубликованы в 1725 году — тогда же Вивальди вернулся в Венецию.

«Вивальди блестяще сыграл сольную партию и в заключение добавил вольную фантазию, которая меня совершенно поразила, поскольку трудно было представить, чтобы кто-либо еще мог сыграть нечто подобное». Иоганн Арманд фон Уффенбах

В Милане Вивальди встретился с молодой певицей Анной Тесьери Жиро, которая стала его ученицей. Хотя никаких доказательств связи между ними не было, слухи о романтических отношениях между певицей и священником преследовали Вивальди до конца жизни.

По мере того как слава Вивальди росла, он стал путешествовать по Европе. В 1730 году он посетил Вену и Прагу, где состоялась премьера его оперы «Фарнак». В 1740 году Вивальди стал придворным музыкантом у императора Карла VI. Последние годы жизни, проведенные преимущественно в Вене, были омрачены болезнями (по-видимому, Вивальди страдал астмой) и финансовыми проблемами, которые усугубились после смерти Карла VI и падения популярности венецианской оперы. Вивальди ненамного пережил своего покровителя. Он скончался в ночь с 27 на 28 июля 1741 года в доме вдовы венского седельного мастера. Отпевание состоялось в соборе Святого Стефана, где среди хористов был юный Йозеф Гайдн. Похоронен Вивальди на кладбище церкви Святого Георгия.

Георг Фридрих Гендель

Георг Фридрих Гендель

Георг Фридрих Гендель родился в Германии 23 февраля 1685 года, но большую часть жизни провел в Британии. Его по праву можно назвать самым крупным английским композитором XVIII века. В Англии он жил с 1710 года и самые знаменитые свои произведения написал именно здесь — и на английском языке. В 1727 году он принял британское гражданство. Гендель умер в Лондоне в 1759 году и был похоронен в Вестминстерском аббатстве.

Гендель родился в Галле, когда этот город относился к герцогству Магдебургскому. Отец его был цирюльником и хирургом. Первоначально интерес мальчика к музыке не вызвал энтузиазма у родных, но, убедившись в таланте сына, отец разрешил ему учиться музыке у органиста Мариенкирхе Фридриха Вильгельма Захова. Известность Генделя быстро росла. В 1698 году он играл в Берлине перед королем Фридрихом I. В 1702 году по желанию отца он начал изучать юриспруденцию в университете Галле, но в то же время занял должность органиста в городском соборе. Впрочем, прослужил он там лишь год, поскольку в 1703 году переехал в Гамбург и поступил в оркестр оперного театра.

Юный Гендель играет на клавесине

Юный Гендель играет на клавесине

В Гамбурге в 1705 году он сочинил свои первые крупные работы — оперы «Альмира» и «Нерон». В следующем году он получил приглашение от члена семейства Медичи и переехал во Флоренцию, а оттуда в Рим. Когда в Риме опера была запрещена, Гендель переключился на религиозную музыку — именно тогда он сочинил псалом Dixit Dominus.

И все же Гендель продолжал сочинять оперы, которые с большим успехом исполнялись во Флоренции и Венеции. В 1710 году он стал капельмейстером при дворе курфюрста Ганноверского Георга. Этот пост сыграл важную роль в карьере Генделя по двум причинам. Во-первых, он смог много путешествовать и впервые посетил Британию. (Возможно, длительные вояжи раздражали покровителя музыканта. Предполагается, что «Музыка на воде» была написана в 1717 году в знак примирения.) Во-вторых, в 1714 году Георг взошел на престол Соединенного Королевства, и это ввело Генделя в британскую культурную среду. Гендель писал много музыки для государственных церемоний, в том числе для коронации короля Георга II в 1727 году. Тогда впервые прозвучал гимн «Садок-священник», который теперь исполняется при коронации каждого британского монарха.

«Гендель — величайший композитор из когда-либо живших. Мне хотелось бы обнажить голову и преклонить колени пред его могилой». Людвиг ван Бетховен

Не ограничиваясь одними лишь официальными заказами, Гендель не переставал писать музыку и для театра. Кроме того, он оказался весьма хитроумным инвестором. Он оказался одним из немногих, кто сумел заработать на «мыльном пузыре» Южных морей: Гендель забрал деньги до крупнейшего финансового краха. Гендель занимал посты в Королевской академии музыки, Королевском театре и театре Ковент-Гарден. Но к середине 30-х годов XVIII века мода на итальянскую оперу, которую популяризировал Гендель, прошла. Здоровье композитора ухудшалось. И с 1737 года он обратился к новому для Англии жанру оратории. Лучшим образцом жанра стала оратория «Мессия», которая была впервые исполнена в Дублине 13 апреля 1742 года.

Гендель представляет «Музыку на воде» королю Георгу I

Гендель представляет «Музыку на воде» королю Георгу I

В 40-е годы XVIII века Гендель продолжал работать. К этому периоду относится такое замечательное произведение, как «Музыка для королевского фейерверка». Но в августе 1750 года, возвращаясь в Британию из Германии, Гендель серьезно пострадал, когда его карета перевернулась. В следующем году у него начало стремительно портиться зрение. Несмотря ни на что, он продолжал писать музыку. Последнюю великую ораторию «Иевфай» Гендель закончил в 1752 году.

Гендель умер 14 апреля 1759 года. Он был не женат и не имел детей. Все свое огромное состояние в 20 тысяч фунтов стерлингов он завещал племяннице, жившей в Германии.

Иоганн Себастьян Бах

Иоганн Себастьян Бах

В наши дни Иоганн Себастьян Бах считается одним из величайших композиторов эпохи позднего барокко. Для современников же он был всего лишь органистом, слава которого в области композиции заметно уступала славе его сыновей. Но в конце XVIII века его творчество было открыто заново, и сегодня мы причисляем его к числу самых значимых композиторов первой половины века.

Бах родился 31 марта 1685 года в немецком городе Айзенахе в семье капельмейстера Иоганна Амброзиуса Баха и Марии Елизаветы Леммерхирт. В 1684 году умерла его мать, а в следующем году — и отец, который начал учить сына игре на скрипке и клавесине. Юный Бах переехал к старшему брату, Иоганну Кристофу, который к этому времени уже был органистом церкви Святого Михаила в Ордруфе. Брат научил Иоганна Себастьяна играть на органе. В возрасте четырнадцати лет Бах получил стипендию в весьма престижной школе Святого Михаила в Люнеберге и проучился там два года. Помимо музыки, Бах изучал языки и другие предметы. В школе он познакомился с сыновьями известных семейств северной Германии.

Какое-то время Бах работал придворным музыкантом капеллы герцога Веймарского Иоганна Эрнста, а в августе 1703 года стал органистом церкви Святого Бонифация в Арнштадте. Именно здесь Бах начал сочинять музыку, хотя пребывание в Арнштадте не было безоблачным. Он без разрешения уехал за 250 миль в Любек, чтобы посетить органиста Дитриха Букстехуде, а в августе 1705 года едва не устроил дуэль со студентом. В 1707 году Бах решил покинуть довольно комфортное место и занять должность органиста церкви Святого Власия в Мюльхаузене. В Мюльхаузене же Бах женился на своей кузине Марии Барбаре Бах. У них было семеро детей. Двое — Вильгельм Фридеман и Карл Филипп — стали композиторами, и слава их в то время превзошла славу отца.

Мюльхаузен

Мюльхаузен. Бах жил в этом городе и работал органистом в церкви Святого Власия

Хотя в Мюльхаузене Бах руководил постройкой нового органа, в этом городе он провел всего год. В 1708 году он стал органистом и капельмейстером при дворе герцога Веймарского. Карьера Баха в Веймаре складывалась вполне успешно. Он сочинял музыку для клавесина, органа и оркестра. Но со временем Бах вышел из фавора и в 1717 году уволился, перед этим проведя месяц в тюрьме.

Из Веймара Бах переехал в Кетен, где получил должность капельмейстера при дворе князя Леопольда Ангальт-Кетенского. В Кетене Бах провел шесть лет. Князь Леопольд был кальвинистом, поэтому большая часть сочинений Баха того времени носила светский характер. В 1721 году он написал знаменитые «Бранденбургские концерты».

«Конечной целью и причиной всякой музыки должно быть только прославление Господа и укрепление духа». Иоганн Себастьян Бах

В 1720 году в Кетене умерла первая жена Баха. В 1721 году он женился повторно. Анна Магдалена Вильке родила ему тринадцать детей, причем трое из них стали известными музыкантами.

После смерти князя Леопольда Бах в 1723 году переехал в Лейпциг, где стал кантором школы Святого Фомы. В Лейпциге Бах написал большую часть своих кантат. В 1724 году состоялась премьера его «Страстей по Иоанну», а в 1729 году — «Страстей по Матфею». В марте 1729 года Бах стал директором Музыкальной коллегии. Этот ансамбль, созданный в 1701 году, специализировался на исполнении светской музыки. В 1733 году Бах написал Kyrie и Gloria. Позже эти произведения стали частями мессы си минор, работу над которой композитор завершил лишь в следующем десятилетии. Рукопись он преподнес курфюрсту Саксонии и королю Польши Августу III, когда пытался стать придворным композитором, что ему и удалось.

Лейпциг

Лейпциг, где Бах начал свою музыкальную карьеру

В 1746 году зрение Баха резко ухудшилось. В следующем году он побывал в Потсдаме, где его сын Карл Филипп Эммануэль работал при дворе Фридриха Великого. В Потсдаме Бах играл для короля. Одна из импровизаций, исполненная в то время, позже стала «Музыкальным приношением». Вернувшись в Лейпциг, Бах продолжил работу над своим последним шедевром, циклом «Искусство фуги», который так и остался незавершенным. Бах умер 28 июля 1750 года после неудачной операции на глазах, проведенной известным британским хирургом Джоном Тейлором.

Другие композиторы эпохи барокко

  • Марк-Антуан Шарпантье (1643-1704). Французский композитор, автор светских и религиозных произведений. Наиболее известное сочинение «Рождественская оратория».
  • Франсуа Куперен (1668-1733). Французский органист, представитель известной музыкальной династии. Сочинял преимущественно для клавишных инструментов, чаще всего для клавесина.
  • Орландо Гиббонс (1583-1625). Английский органист и композитор. В его творческом наследии выделяются мадригалы и религиозные сочинения.
  • Жан-Батист Люлли (1632-1687). Люлли родился в Италии, но большую часть жизни провел во Франции. Он был придворным музыкантом Людовика XIV («короля-солнце») и господствовал во французской музыке на протяжении четверти века.
  • Клаудио Монтеверди (1567-1643). Итальянский композитор, автор религиозных и светских произведений. Сыграл большую роль в развитии жанра оперы.
  • Иоганн Пахельбель (1653-1706). Немецкий органист и композитор, один из известнейших музыкантов-клавишников XVIII века. Наиболее известное сегодня его произведение «Канон в Ре мажор» (вы можете послушать его на диске, приложенном к этой книге).
  • Жан-Филипп Рамо (1683-1764). Самый известный французский композитор XVIII века. Рамо был теоретиком, и его работы оказали огромное влияние на развитие музыки. Он много писал для клавишных инструментов, а первую оперу сочинил в возрасте 50 лет.
  • Доменико Скарлатти (1685-1757). Итальянский композитор и клавесинист-виртуоз Скарлатти происходил из семьи музыкантов.
  • Георг Филипп Телеман (1781-1767). Немецкий композитор Телеман был одним из самых плодовитых мастеров позднего барокко. Он написал более 3500 произведений, в том числе около 50 опер.

Доменико Скарлатти

Доменико Скарлатти

Поделиться ссылкой

Частное образование учреждение
Среднего профессионального образования
Московский городской открытый колледж
Доклад на тему:
«Развитие музыки в период барокко»
Выполнила:
Преподаватель по специализации: Сольное пение
Каяниди Лилия Данииловна Москва
2017
Содержание
Введение
Происхождение термина «барокко»
Особенности музыкального барокко
Музыкальная эстетика барокко
Выводы
Список литературы
3
4
5
5
8
9
2 Введение
Известно, что в истории культуры, каждая эпоха представляет собой
переплетение  различных  процессов   по­разному   отражающих   ее  сущность   и
действительность. Ярким примером этому служит эпоха барокко.
Барокко  –   это   европейская   культура   XVII   –   XVIII   вв.,   которая
постепенно   заменила   ренессанс.   Основными   характеристиками   барокко
являются   контрастность,   стремление   к   величию   и   роскоши,   динамичность
образов и напряженность, совмещение реальности и иллюзии, стремление к
слиянию и одновременно – тенденция к автономии отдельных жанров.
Барокко появилось в Италии (Флоренция, Венеция, Рим) в  XVII  в. на
фоне   кризиса   идеи   ренессанса.   Эпоху   барокко   принято   считать   началом
насаждения   основ   «западной   цивилизации»   в   мире,   она   во   многом
предопределила   динамику   формирования   культур   других   эпох.   Стиль
барокко,   по   мере   своего   распространения,   становится   популярным   и   на
Западе и в России.
Сама Италия в этот период утрачивает экономическое и политическое
значение и становится разобщенной полуколонией, вместе с тем продолжая
быть   культурным   центром   Европы.   Постепенно,   в   силу   этих   социально­
экономических   причин,   начинает   рождаться   новый   стиль,   первая   задача
которого   было   создание   иллюзии   богатства   и   могущества,   возвышение
католической   церкви   и   итальянской   знати,   которое   кроме   культурных
рычагов влияния не имели ничего.
В то же время рассматривать эпоху барокко исключительно как время
перехода от Возрождения к Просвещению не верно. Барокко представляет
собой самостоятельную фазу в развитии искусства и причинами ее появления
3 являются не только экономические и политические проблемы Италии. Тем
более   что   барокко,   хотя   и   появилось   в   Италии,   очень   быстро
распространилось по всей Европе.  Потому как отражало настроения всего
европейского общества,но было различным в разных европейских странах.
Идеологической   основой   распространения   барокко   в   Европе   стало
общее ослабление духовной культуры, раскол церкви – как следствие падение
ее авторитета, борьба учений, которые отражали интересы различных классов.
В это же время усиливается роль институтов государства, обостряется борьба
светских   и   религиозных   начал.   Бурно   развиваются   естественные   науки   –
оптика,   физика,   термодинамика   и   география,   а   значит,   появляются
предпосылки для появления барокко – отвержения души антропоцентризма и
ренессанса в целом в пользу просвещения и разума.
4 Происхождение термина «барокко»
Слово   «барокко»   предположительно   происходит   от   португальского
«perolabarroca» ­ жемчужина или морская раковина причудливой формы; или
от   лат.
 baroco–как   и   похожие   латинские   слова   «Barlocco»или
«Brillocco»также использовались в схожем значении – жемчужина необычной
формы,   не   имеющая   оси   симметрии.   Изобразительное   искусство   и
архитектура этого периода характеризовалась весьма вычурными формами,
сложностью, пышностью и динамикой. Позже это же слово стало применяться
и к музыке того времени.
К   музыке   термин   «барокко»   первый   раз   применяется   в   1746   г.
французским   критиком   и   писателем   Н. А. Плюшем.   Позже   этот   термин
фигурирует в «Музыкальном словаре» (1768 г.) Ж.­Ж. Руссо. Каждый из них
под   словом   «барокко»   подразумевает   «странную»,
  «необычную»,
«причудливую»   музыку   доклассической   эпохи.   В   «Музыкальном   словаре»
Х.Коха   (1802   г.)   слову   barock   сопутствуют   такие   качества   музыки   как
«спутанность»,   «высокопарность»,   «варварская   готика».   Гораздо   позже   Б.
Кроче в «Истории итальянского барокко» (1929 г.) утверждает, что «историк
не может оценивать барокко как нечто позитивное; это чисто отрицательное
явление… это выражение дурного вкуса».
5 Следует заметить, что термин «барокко» как обозначение музыкальной
эпохи   используется   относительно   недавно.   Впервые   его   применил
музыковед Курт   Заксв 1919   г.,   затем   термин   появился   лишь   в 1940   г. в
статье Манфреда Букофцера.  До самых 1960­х г. в академических кругах не
утихал спор, правомочно ли применение единого термина к сочинениям таких
разных композиторов, как ЯкопоПери, Антонио Вивальди,К. Монтеверди,Ж.­
Б.   Люлли, Доменико   Скарлатти и И.С. Бах,   но   слово   прижилось   и   сейчас
повсеместно   используется   для   обозначения   широкого   спектра   музыки.
Однако   необходимо   отличать   музыку   эпохи   барокко   от
предшествующего ренессанса и   последующего классицизма.   Кроме   того,
некоторые   музыковеды   считают,   что   необходимо   разделять   барокко   на
непосредственно   период   барокко   и   на   период маньеризма,   в   целях
согласования с разделением, применяемым в изобразительных искусствах.
Сочинительские   и   исполнительские   приемы   периода   барокко   стали
неотъемлемой   и   немалой   частью   музыкального   классического   канона.
Произведения   того   времени   широко   исполняются   и   изучаются.   В   эпоху
барокко родились такие произведения, как фуги Иоганна Себастьяна Баха,
хор «Аллилуйя» из оратории «Мессия» Георга Фридриха Генделя, «Времена
года» Антонио   Вивальди,   «Вечерня» Клаудио   Монтеверди.   Музыкальный
орнамент стал весьма изощренным, сильно изменилась  музыкальная нотация,
развились   способы   игры   на   инструментах.   Расширились   рамки   жанров,
выросла сложность исполнения музыкальных произведений, появился такой
вид сочинений, как опера. Большое число музыкальных терминов и концепций
барокко используются до сих пор.
6 Особенности музыкального барокко
Основные   инструменты   музыки   барокко   –   виола,   лютня,   барочная
гитара и барочная скрипка.
Основные   значимые   моменты   в   истории   музыки   барокко   –   создание
оперы   в   Италии,   оратории   (раскрытие   музыкальными   средствами
драматического содержания), а также кантаты и сонаты.
Основной   лейтмотив   инструментальной   музыки   –   создание
инструментальных ансамблей с ведущей ролью скрипки. Также развивается
жанр сюиты.
Исторически музыку барокко делят на:
– музыку раннего барокко – 1600 – 1654 гг. (основной представитель –
Клаудио Монтеверди; характерные черты – переходный период от музыки
ренессанса);
7 –   музыка   зрелого   барокко   –   1654   –   1707   гг.   (представители   –   Жан
  отличается   от   раннего,
  Арканджело   Карелли,
Батист   Люлли,
распространением нового стиля, усилением разделения музыкальных форм,
особенно в опере);
– и музыку позднего барокко – 1707 – 176 гг. (представители Антонио
Вивальди, Иоганн Бах.Характерные черты – переход к музыке классицизма).
Музыка   Барокко   развивалась   в   Италии,   Германии,   Испании,
Португалии, Франции и Австрии и была своего рода переходной моделью от
музыки возрождения к музыке классицизма. Основные события этого периода
– создание оперы, оратории, кантаты, сонаты сюиты.
Музыкальная эстетика барокко
Для   музыкального  барокко  характерны   повышенный   интерес   к
диссонансам и дисгармонии как в широком, так и в узком их понимании, отказ
от   нормативности,   формальной   правильности,   пропорциональности.   В.П.
Шестаков   в   своем   труде   «От   этоса   к   аффекту»   процитировал   некоторые
теоретические высказывания современников XVII в., чтобарокко в те времена
было   не   только   художественной   практикой,   но   и   эстетической   теорией,
изучающей   современную   для   той   эпохи   музыку   как   специфический   вид
искусства, анализирующий законы художественного творчества и конкретных
музыкальных закономерностей.
8 Например,   В.П.   Шестаков   приводит   высказывание   известного
итальянского композитора Марко Гальяно, примыкавшего к флорентийскому
кружку Барди­Корси. В предисловии к одному из своих сборников мотетов
Гальяно   высказал   характерную   для   эстетикибарокко  мысль.  Он   утверждал
правомерность   «неправильных   красот»,   которые,   по   его   словам,   могут
возникнуть   в   музыке   от   нарочитого   несоблюдения   правил.   «Случается,   –
пишет   Гальяно,   –   что   от   несоблюдения   правил   в   произведении   могут
возникнуть немалые красоты, … и их можно понять только на основе опыта».
Отстаивая   красоту   «неправильности»,   Гальяно   выражал   один   из   главных
эстетических принциповбарокко.
Защищал   принципыбарокко и   итальянский   композитор   Клаудио
Монтеверди,   который   не   только   доказывал   в   своих   теоретических
выступлениях   необходимость   «взволнованного»   стиля   для   выражения
сильных   страстей,   но   и   блестяще   воплотил   эти   идеи   в   творчестве.   Как
известно, Монтеверди наметил своим творчеством путь превращения оперы в
драматическое   и   психологически–выразительное   искусство.   Его   оперы   –
«Орфей», «Ариадна», «Коронация Поппеи» – вершина итальянского оперного
искусства XVII в. В операх Монтеверди проявились характерные принципы
эстетикибарокко:   контрасты   реальности   и   фантастики,   возвышенного   и
обыденного, героики и быта.
В   книге   В.П.   Шестакова   описано,   как   современник   Монтеверди,
теоретик   Дж.   Артузи,   резко   выступал   против   новаторского   искусства
композитора. В своей книге «О несовершенстве современной музыки» (1600
г.) он упрекал Монтеверди в нарушении правил композиции. Артузи писал,
что   вмадригала   Монтеверди   «пестрота   звучаний,   смешение   голосов,   шум
гармоний   невыносим   для   слуха   …   Автор   совершенно   не   принимает   во
внимание нормы музыки …».
9 В   ответе,   опубликованном   в   пятой   книге   мадригалов,   Монтеверди
полемизируя с Артузи, обосновывает свободу композитора от «школьных»
правил и объявляет «истину» единственным критерием и целью творчества.
«В   отношение   консонансов   и   диссонансов,   –   пишет   Монтеверди,   –   есть
высшие соображения, чем те, которые содержаться в школьных правилах, и
эти   соображения   оправданы   удовлетворением,   которое   музыка   доставляет
как слуху, так и здравому смыслу».
Монтеверди   считает   себя   создателем   «взволнованного»   стиля,   в
противоположность   «умеренному»   и   «мягкому»   стилю   древних   и
предшествующих композиторов. Он первый, по существу, выявил огромные
драматические возможности оперной музыки.
Также Т. Ливанова отмечает, что в XVII и начале XVIII в. существовало
немало   музыкальных   произведений,   стилевая   природа   которых   не   вполне
ясна. Сонаты типа Корелли – чистое барокко или нет? Органная и клавирная
музыка   Пахельбеля   –   уже   не бароккоили   еще   не   классицизм?   Пьесы
французских   клавесинистов   до   Ф.   Куперена   –   классицизм   или   предвестие
рококо? Таким вопросам нет числа. Все это союз стилевых направлений, с
сочетанием различных стилевых элементов в музыке XVII в.
Поэтому   отождествлять   XVII   в.   только   сбарокконеверно.   Подобная
точка   зрения   уже   устарела.   Удивительное   многообразие   творческих
проявлений   невозможно   принимать   однозначно   такое   определение.   Стиль
барокко, как стиль экспрессивный, драматичный, с характерными образными
контрастами и нарушением гармоничности мировосприятия  в значительной
мере   проявился   в   области   музыки.  Но   далеко   не   все   в  ней   развивалось   в
образной системе стиля барокко. Например, во Франции при Люллисложился
стиль классицизма. Для Монтеверди характерны реалистические тенденции в
оперном   жанре.   Искусство   И.С.   Баха   разрывает   рамки   стилевой
системы барокко и образует собственный индивидуальный стиль.
10 Таким   образом,
  одновременно   с барокко в   музыке   XVII   в.
сосуществуют   эти   названные   стилевые   разновидности   и   художественные
тенденции. Такая разнородность может быть обусловлена тем, что эпоха во
много   переходная   (от   Возрождения   к   Просвещению)   и   потому   изобилует
творческими   исканиями.   Возможно,   правильным   будет   утверждение   Т.
Ливановой,   которая   считает,   что   музыка   XVII   в.   вообще   «не   поддается
единому стилевому определению».
Российские   искусствоведы   и  литературоведы  объединившись   в  своих
взглядах,   признавали   существование   в   музыкальном   искусстве   XVII   в.
стилей барокко,   и   классицизма,   при   этом   уточняя,   правда,   что
стиль барокко в   отдельных   родах   искусства   и   ряде   европейских   стран   (в
Италии, Германии) сказывался более влиятельным, нежели стиль классицизма.
Последний   же   более   характерен   для   французской   музыки   XVII   в.
Элементы барокко в   некоторой   степени   проникали   тогда   во   французское
искусство, но их роль не была решающей. Классицизм для музыки не был
тогда особенно длительным – примерно четверть столетия.
Известно, что в истории западноевропейской музыки обычно различают
два   пути   развития   музыкальных   жанров   и   принципов   письма:   путь   более
традиционного и академического искусства полифонических форм, ведущий
от органных канцон, личеркар, фантазий к творчеству И.С. Баха, и путь более
молодого   искусства   –   гомофонного,   связанного   с   танцевальной   культурой
XVI в., испытавшего влияние вокальной музыки и прошедшего развитие от
сюит,   сонат   и   концертов   Корелли­Тартини­Вивальди   к   классическому
симфонизму.
При   всей   своей   отчетливости   эти   линии   не   совпадают   с   границами
художественных стилей, как это порой преподносят некоторые зарубежные
исследователи. Нельзя сказать, что полифония развивалась в связи с одним
11 стилем, а гомофония по преимуществу с другим, или одни жанры становились
характерными для барокко, другие – для классицизма.
Между   тем   в   научной   литературе   это   вызывало   путаницу   и
противоречия.   Отождествляя   XVII   в.   с   эпохой   барокко,   его   то   именуют
«эпохой генерал­баса», подчеркивая гомофонные тенденции, то заодно с  И.С.
Бахом   –   представляют   как   период   господства   полифонических   жанров   и
принципов письма.
Таким образом, старое в барокко постоянно сосуществует с новым, во
всех музыкальных жанрах присутствуют старые и новые явления.
Развитие полифонической и гомофонной «линий» в истории музыки не
имеют   точного   совпадения   с   временными   рамками   стилевых   направлений
XVII   в.   Каждый   из   стилей   не   ограничивается   использованием   средств
полифонического, либо только гомофонического приемов письма.
Выводы
12 Сущность   эстетики   барокко   заключается   в   том,   что   в   эту   эпоху
изменилась   утвердившееся   в   античности   представление   о   мире,   как   о
разумном   и   постоянном   единстве,   а   также   ренессансное   представление   о
человеке,   как   о   разумнейшем   существе.   Человек   перестал   ощущать   себя
«разумнейшим существом» напротив, он, сомневается в своей разумности. В
эстетике барокко прекрасным считалосьто, что было безобразным,например, в
эпоху ренессанса. В то же время, барокко начинает отвергать авторитеты и
традиции не сами по себе, а как отжившую субстанцию. Для барокко важно не
механическое отторжение всего связанного с античностью и возрождением, а
новые формы для познания прекрасного, окружающего мира, разума. В эпоху
ренессанса во главе был человек. Деятели барокко считали, что он достаточно
изучен и предпочитали говорить о разуме, отвергая духовную составляющую.
В этих тенденциях, суть, основа для понимания эстетики барокко.
Таким образом, можно выделить сущность барокко как художественное
направление.   Оно   отражает   кризисную   концепцию   мира   и   личности.
Художественная концепция барокко гуманистически ориентирована, однако
социально   пессимистична:   в   ней   присутствуют   сомнения   в   возможностях
человека, ощущения тщетности бытия и обреченности добра на поражение в
борьбе со злом.
Основными   принципами,   особенностью,   специфическими   чертами
барокко,   по   сравнению   с   другими   культурами   являются:   повышенная
эмоциональность; явный динамизм; эмоциональность, контрастность образов;
больше   значение   придается   иррациональным   эффектам   и   элементам.   Эти
черты наиболее ярко проявлялись в музыке и искусстве в разных европейских
странах.
Развитие музыкальной культуры Италии, Франции, Англии и Германии
XVII  в. демонстрирует, с одной стороны, несинхронность своего движения,
обусловленную национальными особенностями развития каждой из стран; с
13 другой – служит примером проявления общих для эпохи тенденций: развития
и   взаимодействия   барочных   и   классицистических   стилевых   систем,
проявления   реалистических   тенденций   внутри   барокко,   а   также   создания
индивидуальных композиторских стилей, не индивидуальных композиторских
стилей, не вписывающихся в полной мере в существующие нормы и рамки. 
Тенденции,   определившиеся   в   искусстве  XVII  в.,   найдут   свое
продолжение и развитие в последующем времени и станут предвестниками
века XVIII.
14 Список литературы:
1. Бореев Ю.Б. Эстетика – М.; Феникс, 2006. – 290 с.
2. Вельфлин Х. Ренессанс и барокко. М.: Познание, 1989. – 340 с.
3. Вейс Г. История культуры народов мира. М.: Эксмо, 2005. _ 560 с.
4. Виноградов   М.А.   Барокко  –   жемчужина   неправильной   культуры  XVII
века. М.: Эдельвейс, 1999. – 158 с.
5. Владимирова С.А. Эстетика барокко: причины появления, происхождение
термина. М.: Гардарика, 1994. – 203 с.
6. Краткий словарь по эстетике.–М., 1983
7. Ливанова   Т.Н.   Западноевропейская   музыка   XVII­XVIII   веков   в   ряду
искусств. – М., 1977.–528 с.9 с.
8. Ливанова Т. История западноевропейской музыки до 1789 года. Т.1 по
XVIII век. –  М.: Музыка, 1983. – 65
9. Лобанова   М.   Западноевропейское   музыкальноебарокко:  проблемы
эстетики и поэтики.–М.,1994–320 с.
10.Музыкальный энциклопедический словарь. М., 1990
11.Ролан Р. Музыкально­историческое наследие.–Вып. 2 Опера в XVII в. в
Италии, Франции, Германии, Англии. Гендель.–М.,1987
12.Офицеров С.А. Диалогическая культура эпохи барокко – М.: Книжная
лавка, 1997 – 206 с.
13.Скребков С. Художественные принципы музыкальных стилей. // Музыка и
современность. Вып. 3–М.,1965– с. 3­31
14.Шестаков В.П. От этоса к аффекту. История музыкальной эстетики от
античности до XVIII в.–М., 1975.–351 с.
15